哇哇哇~~
大家都在交功課了
我也來弄一篇好了
這是以前做的報告
字很多
請大家耐心服用
謝謝
搖滾樂
搖滾樂史
什麼是搖滾樂?? 記得曾經在廣播節目上有人問五佰為什麼台灣的搖滾樂不流行，他回答說 : 因為臺灣的馬路不夠大。真是妙答阿!!搖滾樂的解釋有很多種，其一就是~一種可以搖的音樂，我是蠻喜歡這個解釋，與五佰的妙答可謂不謀而合。
其實早在30年代初期美國就有首歌叫做Rock&Roll，但當時並沒有這種音樂名稱。此一名詞出現最被大家認識是DJ- Alan Freed於1951年在他的廣播節目中首先使用了『搖滾音樂會』這個名稱，據說紐約現今仍尊稱他為搖滾樂之王。 而又在比爾亨利-Bill Haley和他組的慧星樂團-His Comets以一曲Rock Around The Rock於55年在排行榜呆了8週之久，在此曲大放異彩的推波助瀾下，Rock便為世人所熟知，是故有人稱1955年為Rock Era，而比爾亨利也得搖滾之父的雅號。
搖滾樂可說是由爵士、藍調、鄉村及西部歌曲等多種歌曲所交織而成的新音樂，但最多的元素仍取自於藍調，甚至有人說搖滾樂就是把藍調加重罷了，但我並不能接受醬的說法，比如唱搖滾樂並不須要一定得表現出太多的歌唱技巧，接近撕吼的歌唱方式使得情緒可以全然的喧洩，不若藍調卻是勾起傷心的情緒，就因搖滾樂有此特色，無怪呼在生活普遍不安的當時能將此熱潮迅速的漫沿開來，再加上Jerry Lee Lewis等先鋒部隊的帶領下繼以貓王的承先、披頭的啟後得使搖滾熱潮漫延了數十年～
起緣於美國的搖滾樂在60年初終於發生了巨變，那就是由The Beatles開始一群英國樂團在一瞬間打進了美國市場，就有人將這件事稱為第一次英倫入侵，不過還好當時在美國仍有一些團和他們分庭抗禮，如組合相似披頭而曲風充滿沙灘、陽光、美女、浪板等加州美景的Beach boys 。此外充滿民族曲風的名謠搖滾亦緊接而生，但除了Bob Dylan外，以居爾特或愛爾蘭等曲風鮮明的英國歌手亦不乏其中，但在60年代末美國樂團又再次主領大局，那就是以3J(Jim morrison、Jimi Hendrix及Janis Joplin)引領而起的迷幻搖滾成為當時最受歡迎的搖滾樂，不過除了Grateful Dead外大部分的迷幻團都相當早夭，在迷幻搖滾勢微後，隨即邁入風光的搖滾年代。
經由60年代的鋪陳，遂使70年代的搖滾曲風豐富至極，由David Bowie引領而起的華麗搖滾就是在70初蹶起的，此外為了不栯於既有的搖滾類型，前衛搖滾、古典搖滾和藝術搖滾也隨即而起並成為當時樂界的新像，既而爵士搖滾亦逐漸揚名，此外橫跨整個70~80年代最受歡迎且最長壽的重搖滾（重金屬）產生了，或許在現在而言Led Zeppelin、Deep Purple、Black Sabbath的分貝soso，然而在當時可說是震耳欲聾的搖滾類型了，此後經由不斷的演進heavy metal一直受搖滾迷的青睞，此外在70年代還有跟HM曲風迥異的鄉村搖滾、加州搖滾和南方搖滾亦深受歡迎。假若我們說60年代的盛事是英倫入侵，那70年代的盛事非瞬間竄起於70年代末的龐克搖滾莫屬，但就如60年代末的迷幻搖滾般，龐克亦不長命。
進入80年代除了初期仍還有龐克風外，夾著70年代餘威的重金屬便成為領導地位，且幾乎風光的80年代都是由重搖滾(重金屬)攏斷，但他們仍是求新求變的，風格決不同以往，故又有新浪重金屬的稱號，在重搖滾的強勢下，除了藍領搖滾、流行搖滾和融合雷鬼曲風的搖滾外，要能闖出一片天就得以技巧取勝，所以一些強調速彈和速度的搖滾遂應運而生，而他們引起的風潮亦不容小覷，至今速金仍然有廣大的聽眾。
接著90年代初期引領搖滾潮流的即是西雅圖之聲油漬搖滾，但隨即被充滿電子音樂的英倫搖滾所淹沒，而因這些來自英國各地的樂團很快的征服新一代的搖滾迷，故將之稱為第二次英倫入侵。此外90年代末期帶有龐克風或充滿電音的的一些另類搖滾也虜獲相當多的歌迷。或許搖滾風潮不在，承如麥克阿瑟所言老兵不死只是凋零，但搖滾新血不斷產生，電音、工業、嘻哈...，或許搖滾曲風已不若以往，但至少是另一種搖滾型態的延續>>>
搖滾樂的由來
早在30年代初期美國就有首歌叫做Rock&Roll，但當時並沒有這種音樂名稱。此一名詞出現最被大家認識是DJ- Alan Freed於1951年在他的廣播節目中首先使用了『搖滾音樂會』這個名稱，據說紐約現今仍尊稱他為搖滾樂之王。 而又在比爾亨利-Bill Haley和他組的慧星樂團-His Comets以一曲Rock Around The Rock於55年在排行榜呆了8週之久，在此曲大放異彩的推波助瀾下，Rock便為世人所熟知，是故有人稱1955年為Rock Era，而比爾亨利也得搖滾之父的雅號。
搖滾樂可說是由爵士、藍調、鄉村及西部歌曲等多種歌曲所交織而成的新音樂，但最多的元素仍取自於藍調，甚至有人說搖滾樂就是把藍調加重罷了，比如唱搖滾樂並不須要太多的歌唱技巧，接近撕吼的歌唱方式使得情緒可以全然的喧洩，不若藍調卻是勾起傷心的情緒，就因搖滾樂有此特色，無怪呼在生活普遍不安的當時能將此熱潮迅速的漫沿開來，再加上Jerry Lee Lewis等先鋒部隊的帶領下繼以貓王的承先、披頭的啟後得使搖滾熱潮漫延了數十年>>>
50年代 - 搖滾樂的萌芽
• 搖滾樂(Rock & Roll)的興起是音樂史上的一大變革，因為它改變了整估流行音樂生態，如此影響至鉅的音樂形態自然不是一朝一夕產生或者一人之力而成，黑人厘語中早已存在Rock、Roll二字。 搖滾樂乃是擷取白人鄉村西部歌曲與黑人節奏與藍調輕快、昂揚的元素所混合的新興音樂，並在D.J.---Alan Freed將Rock與Roll合併成Rock&Roll 大力宣傳下，很快的得到年輕人的喜愛，簡單、輕快、朗朗上口、更使此 種充滿朝氣的音符美國各地燃燒。
• 搖滾的影響是使年輕人不用擁有絕佳歌喉或演奏技巧也有機會成名;吉他的地位逐漸取代鋼琴成為最重要的伴奏;還有它打破了黑人與白人的音樂界線，使流行樂平民化。
• 1955年比爾哈雷與彗星樂隊(Bill Haley & His Comets) 以一曲 Rock Around The Clock奪得美國票房冠軍，象徵了搖滾樂晉 身主流音樂，於是1955年成為搖滾紀元(Rock Era) 的開始，比爾哈雷也被稱為 "搖滾之父" 。
• 此後搖滾樂又經過恰克貝瑞 (Chuck Berry)、小李查 ( Little Richard)、胖子多明諾(Fats Dominos)、巴弟哈利(Buddy Holly)、傑利李路易斯(Jerry Lee Lewis) 等搖滾先鋒的推波助瀾，造就了斿律奔放的五○年代，而此歡愉的景象也反應了 二次大戰後經濟復甦，商業行為欣欣向榮之兆。然而最能代表這時期的藝人，莫過於 "搖滾樂之王" 艾維斯普里斯利(ElvisPresley)了。
60年代-風起雲湧
• 第一次英倫入侵 雖然搖滾樂起源於美國，但是1963年底由披頭四所帶領的眾家英國樂團紛紛進攻美國市場，一時間來自英國的搖滾樂風靡了美國，這次的英國熱，在音樂史上稱為 "第一次英倫入侵" (The First British Invasion) ，而代表的藝人除披頭四外尚有滾石、殭屍(Zombies)、曼佛曼(Manfred Mann)、戴夫克拉克五人組(Dave Clark Five)、 動物(Animals)、幻想(Kinks)、赫曼隱士(Herman's Hermits)......等樂團。 第一次英倫入侵的影響就是為已走入死胡同的搖滾樂另起生機，也促成後來搖滾的多樣化。 披頭四合唱團(Beatles) 滾石合唱團(Rolling Stones) 海灘少年(Beach Boys)
• 迷幻搖滾 當道迷幻搖滾(Acid/Psychedelic Rock) 乃六○年代的特殊產物，藉由使用迷幻樂、大麻而產生感官擴張帶來對音樂的深層體驗，或是描寫吸食藥物後自身的感受，這些範疇的音樂統稱為迷幻搖滾。除精神因藥物關係呈 現恍惚外，樂器彈奏時也多使用效果器或電子音效，欲製造出吸食藥物後那種飄渺、天旋地轉、神祕的 情境。 雖然迷幻搖滾在七○年代以後式微，不過它所帶來的使用藥物、樂器音色、表演時異常亢奮等影響卻不間斷。前兩年的 "猜火車" 不就試圖以電影手法拍出吸毒後的身心狀態，令人對藥物有更深刻的體驗嗎? 門戶合唱團(Doors) 吉米罕醉克斯(Jimi Hendrix) 珍妮絲賈普林(Janis Joplin) 傑佛遜飛機合唱團(Jefferson Airplane) 死之華合唱團(Grateful Dead)
• 重搖滾的濫觴 搖滾樂歷經貓王、披頭四的耕耘，質樸、簡潔的特質漸漸有所變化，電吉他、效果器的運用又替搖滾開 闢另一個新天地。 以藍調為基礎加入搖滾樂，便孕育出藍調搖滾，John Mayall就是藍調搖滾尖兵，以藍調搖滾再加入重節拍、 電子配備適當運用就成日後的重搖滾，所以John Mayall也被譽為 "藍調搖滾老前輩、重搖滾的孕育者" ，因為許多知名搖滾藝人都曾加入他所組的Bluesbreaker樂團或與他合作過。其中最著名的有Eric Clapton、Mick Fleetwood、John McVie、Mick Taylor 等等。除John Mayall之外，溯及更早Yardbirds 這個團體更是重搖滾先驅，先後加入的三位吉他手Eric Clapton、Jeff Beck、Jimmy Page 日後皆為吉他手中的佼佼者，並且各領風騷。
• 民謠與搖滾結合民謠(Folk)或民歌原只是流傳於民間傳唱的歌謠，可能代表一個民族的文化、當時的社會現象，也可能是某一族群的生活方式，以民謠口口相傳記載著他們的特性 。 但是自巴布迪倫以這種存在於鄉野的傳唱方式漸漸有了改變，除了原有民謠的特性 之外，民謠甚至發展成為訊息歌曲，多位藝人在民謠之中闡述自身的觀念、想法，例如反越戰訊息，在伴奏上也從簡單、 民族性的樂器進而借用搖滾樂的形式抒發己見，這種民謠與搖滾的結合更為搖滾開闢另一種新的風貌。
• 黑人音樂與搖滾搖滾既是融合了節奏與藍調、鄉村，黑人音樂便不斷地影響著搖滾樂。從名稱上來看，不論Rhythm &Blues， Soul，Black Music，乃至於後來的Hip Hop 都是黑人音樂，只是黑人音樂本身不斷進化，因階段、年代不 同而有以上許多的稱呼，本質卻是一樣的。
• 搖滾次文化 如果說商業性的搖滾像披頭四、滾石等合唱團代表的是主流，那麼在一直無法獲得商業性 成功的團體或 藝人便屬於非主流或地下音樂。 不過這些地下樂團或藝人卻因不必考慮到市場因素，反而音樂上有許多變革，內容上探討的問題更尖銳、 甚至禁忌的話題，例如反政府、反基督都是常見的題材，這些澎湃的思潮極富原創力，因此也逐漸形成一 股文化------在主流之外的次文化。
華麗絢爛的七○年代
• 搖滾樂根植於五○年代，經過六○年代的灌溉、成長，到了七○年代許多搖滾派別名稱確立，對後世也 有極大的影響，同時各個團體、藝人經過洗禮、歷練而紛紛有經典作品的問世，所以七○年代對搖滾而 言是豐收的十年。
• 華麗搖滾 如果有人認為華麗搖滾光以藝人的服裝、化妝譁眾取寵的吸引樂迷注意，那麼就忽略了音樂的本質。服 裝、化妝、髮型等外在不過是種手段，令眾人聚焦在藝人身上，但是器材翻新、舞台道具、節目設計、 音樂內容取材天馬行空，除化妝外，更著重聽覺的滿足和視覺效果呈現，這才是華麗搖滾的精髓，否則 小李查、吻合唱團也都可歸類為華麗搖滾了。尤其在大衛鮑伊的出現之後，他的音樂、舞台表演都被視 為華麗搖滾十足的代表，不僅鋒芒蓋過蓋瑞葛里特(Gary Glitter)、路李德(Lou Reed)、馬克波倫(Marc Bolan) ，對後輩亦啟迪甚多。 大衛鮑伊(David Bowie)------前陣子才有雜誌將大衛鮑伊評選為比披頭四更偉大的藝人，足見他對歌壇的影 響力。
• 前衛搖滾 【披頭四】中期以後的作品啟發無數的音樂人，他們尋求樂器的極限，探索新的聲音，改良錄音的技巧 ，這些努力做出的音樂自然不同於直率、簡潔的搖滾，而被稱為前衛搖滾。 強調個人技巧與團員間默契和諧也是前衛搖滾的特點，因此常有因創作理念不合而離團，又因團員組合 再度歸隊的情形。包裝已經不單純是擺擺團員照片就可以滿足了，它也被視為創作的一部份，代表該團 音樂理念或藝術涵養。 前衛搖滾的另一特性是專輯多有中心思想並以歌曲連貫，也就是概念專輯的盛行與前衛有相當的關聯。 前衛搖滾大概都以英系團體為主，雖然美國的坎薩斯和冥河合唱團也曾被歸為此類，且商業成績上也 優於英國團，但畢竟在前衛領域中對後續發展沒有太大的影響。
• 古典搖滾 前衛與藝術搖滾中有許多團體都曾運用古典手法來表現歌曲，那麼又如何區分古典搖滾?最明顯的分別 可以將它設定為整張專輯的風格較偏古典樂，而非其中一兩曲;或是在合唱團編制內就有小型管絃樂團 的雛形;甚或常與交響樂團合作灌製專輯;或者整個團體歷程中都致力於古典與搖滾結合的實驗風格。因 為這些因素才把他們勉強由前衛與藝術搖滾中獨立出來，而成為古典搖滾。 1971年成立的英國團【電光】(E.L.O.)草創初期的理想，便是將古典與搖滾結合，這都是由於受到【披頭 四】中晚期風格的影響，於是樂團編制內加入弦樂組，使團員多達8人，且人事經常變動 。
• 藝術搖滾 前衛、藝術、古典搖滾名稱看來大不相同，不過聽來好像沒什麼區別，當然如果硬要分，前衛與古典都 曾分別介紹過，而藝術搖滾或許把它定位在音樂上介於前衛與流行之間，內容上與美術、戲劇更密切結 合的一種音樂，甚至在包裝上也有其藝術觀。藝術與前衛最大不同在於歌曲雕琢更精細，因為更商業所 以悅耳度也更高。
• 重搖滾/重金屬 重搖滾(Heavy Rock)給人第一印象不外乎 "吵雜的音樂" ，它是由電子裝置的大量使用所構成，尤其是失真、 回饋、高音量、厚重的音響設備所集結成的威力，此外爆發力大的主唱也是重搖滾裡不可或缺 的重要角 色，主唱要能在上述這些音響效果下仍然將歌聲凸顯出來，所以主唱往往是重搖滾團中的焦點。另一個 靈魂就落在主奏吉他上，慓悍的吉他獨奏，都能將聽者帶到最High的情緒。 重搖滾是重金屬在成形階段的名稱，現在幾乎很少提到這個名詞，而以Pre--Heavy Metal代替，介於一般搖 滾與重金屬之間者，則多以Hard Rock稱之。 重金屬在六○年代未期醞釀至七○年代發揚光大，在它發展時期，較以英國為主且以藍調為根基，它獨 特的音樂性及討論廣泛的主題展現出重金屬不只是吵雜的音樂，它藉著音樂表達出演唱者的感情、思想 、概念才是歷久不衰的原因。 來自德國的重金屬勁旅「天蠍」(Scorpions)，在台灣擁有極大的聽眾群，原因是他們的搖滾抒情曲為數不少 。自從柏林圍牆倒塌之後，「天蠍」歌曲內容似乎也改變不少，從男女感情蛻變到關懷社會、環保的歌曲。 Winds Of Change是其中佼佼者，同時成為暢銷單曲。
• 硬式搖滾 現在對硬式搖滾的定義已經模糊了，在介於搖滾與重金屬之間的樂風就以硬式搖滾來通稱，但在當時 Hard Rock、Heavy Rock卻還是稍有區分，雖說差別不大。 一般我們聽硬式搖滾會覺得較為無旋律、吵雜，而重搖滾則較有旋律。若以地區發展來看這樣的區別更 加明暸:美國是搖滾發源地，歷經英倫入侵、本地迷幻的薰陶而發展出較重節奏、團體各樂器平均發展、 音量擴大的硬式搖滾;而英國團則大多以藍調為本，所以重搖滾中多有反覆樂節，使聽來不至於好像一路 飆到底的感覺，並且常會造就團中一、兩位明星團員。 硬式搖滾從六○年代末期Iron Butterfly 至七○初的Blue Oyster Cult、與蟒蛇為伍的Alice Cooper、底特律狂人 Ted Nugent都可為代表。但經過20年目前仍然活躍歌壇，且話題不斷的當推史密斯飛船與吻合唱團了。 1998年電影 "世界末日" 的席捲市場，由「史密斯飛船」(Aerosmith)演唱的主題曲 I Don't Want To Miss A Thiing ，也在入榜第一週就得到單曲冠軍。
• 鄉村搖滾與加州搖滾 鄉村西部歌梱是美國流行音樂的根，大西部開發一直到本世紀，從西部拓荒歌曲慢慢演變到鄉村歌曲， 雖然樂器、旋律、節拍一直進化，但內容上還是不脫人民生活點滴的敘述。搖滾樂崛起後更使鄉村音樂 成為流行音樂的一環。七○年代，鄉村搖滾在老鷹合唱團的帶領下也風行一時。 加州因地處美墨邊界、文化融合之便;又臨太平洋，得天獨厚的天氣形態，因此孕育出特殊風味的飲食、 音樂，加州音樂或稱西海岸音樂也隨著像老鷹合唱團、琳達朗絲黛等藝人漸受歡迎而受到重視，而且自 成一派，稱為加州搖滾，加州搖滾也代替了鄉村搖滾，成為七○年中晚期相當重要的音樂類型。 老鷹合唱團(Eagles)----如說他們是 " 七○年代最偉大的美國團體 " 或許有些誇張，不過他們確實受到美國人 一致的喜愛，他們在1982年宣布解散，在1994年再度復合，留下一張精彩的MTV 不插電現場專輯與四首 新歌。
• 爵士搖滾 爵士樂的精髓在於樂手的默契與即興演奏，同一首歌曲，不同樂手，不同地點，甚至不同場次，演奏起 來就不盡相同。而搖滾樂若融合了這個特色就是爵士搖滾。搖滾樂團中或許有成員因喜歡爵士而深受影 響，或是搖滾團體找來爵士樂手助陣，都有可能成為爵士搖滾。 早期的「芝加哥」(Chicago)是一個深受爵士樂與黑人音樂影響的團體，1967年組團時7位團員中3位負責銅 管與簧管樂，這種搖滾與爵士的結合在當時樂風上真是耳目一新。
• 南方搖滾 因為一些團體皆來自南方各州而得名。音樂特色是鄉村、藍調、不羈、搖滾的混合，陣中主吉他手可能 2~3人，歌曲長度較一般歌曲多1~2分鐘，因為吉他獨奏是重要的一段。 雖然吉他份量相當吃重，但卻較無個人主義色彩，很少造就聞名的吉他手，大都注重團體表現，「奧門 兄弟」、「林納史金納」是兩個代表團體。隨林納史金納團員的意外喪生，與八○電子時代來臨，南方 搖滾就沒落了，只剩38口徑(38 Special)一團稱的上是正宗南方搖滾。
• 拉丁搖滾 每個民族都有個自文化、傳統，因此民族的音樂性、樂器也不盡相同，在九○年代，當然我們都稱之以 World Music ，也就是世界音樂，但在20年前世界音樂卻藉由搖滾的無遠弗屆，將這特殊的音樂形態傳播 出去，拉丁搖滾自然就是熱情的拉丁音樂與搖滾的結合。 山塔納(Santana)合唱團算是拉丁搖滾的代表，團員來自墨西哥，帶來的音樂自是充滿熱情的拉丁風格，該 團編制甚至有三人的打擊樂器組，是相當注重節奏表現的。
• 龐克(叛客)運動 興起 龐克的興起源自於對搖滾的反動，正當搖滾樂從樸實的五○年代發展至七○年代，派別、種類林立，技 巧日漸繁複，一股回歸原始、直接的音樂形態逐漸形成，表演者以最簡單的樂器、和絃，快速節拍，不 經修飾的聲音直接唱出心中的想法，遣詞用字亦不潤飾，這種狂野的音樂即為龐克音樂，他們的理念是 忠實的呈現音樂本質，因此內容粗俗、作風狂放，音樂吵雜成了這種音樂的特色。 雖在1955年以前即有搖滾，但卻以該年作為搖滾紀元之始，同樣地，龐克紀元始自性 槍合唱團公開表演 的1976年，實際上七○年初紐約就有龐克興起，不過一般還是以「性 槍」的出現正式起算，因為他們對 後世影響實在太大了。 這種粗糙的音樂並沒有維持多久，但龐克的叛逆、反制度精神卻如當年搖滾般地深植人心，進而成為生 活的一部份，不再只是音樂上的反動而已。 進入九○年代後的慘綠少年合唱團(Green Day)秉承的也是這股勇往直前、硬幹到底的風格，可是對以後的 影響也還需要時間來證明。
• 搖滾的蛻變 在以上七○年代這麼多五彩繽紛的搖滾名詞之外，許多藝人正在尋求最適合自己的新音樂方向，有人是 走出舊樂團窠臼，有人則是以自身音樂背景建立藝人風格，艾瑞克克萊普頓與克里斯迪博夫不論在國內外，都擁有廣大樂迷，足以為代表。
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霸道橫行的八○年代
• 搖滾樂擁有燦爛輝煌的七○年代，但隨著電子合成器的普遍，大型編制的搖滾樂團逐漸解體，但是音樂 上卻是 "吃重鹹" 吉他更犀利、節奏更強，聲音的表現也越繁複，所以雖然音樂種類不如前十年來的蓬勃 ，可是樂風上卻更具侵蝕性與破壞性，因此我們稱它霸道橫行的八○年代。
• 重金屬的演變 重金屬在英美兩地各有不同發展，英國方面逐漸脫離以藍調為根基的重金屬，所以八○年代有新潮重金 屬(New Wave Of British Heavy Metal)這個名詞的出現，「鐵娘子」和「威豹」是為箇中翹楚。 美國方面仍然因循著前輩硬式搖滾的作風，只是電子裝置更複雜，音量、失真等效果更大，這些團中以 「范海倫」、「邦喬飛」為主流。另有一派以「克魯小丑」(Motley Crue)、「毒藥」(Poison)為首的L.A Metal ，因為濃妝豔抹，如「吻」合唱團，也曾稍徵風行一段時日。 八○年中晚期當重金屬走入窠臼變不出新花樣時，「槍與玻瑰」夾雜金屬與龐克的風格與表演又創出另 一片天，再者，走著節奏更重、吉他更剽悍、內容更晦黯的重擊金屬(Thrash Metal)、速度金屬(Speed Metal) 也孕育而生。 這類超越速度、體能極限，已無旋律可言的金屬表演者，似乎要在每首歌中將所有不滿宣洩殆盡，「金屬製品」是為其中佼佼者。
• 藍領風潮 國外一般都將靠勞力賺錢的人稱為藍領階級，其實也就是我們所謂的勞工階級，他們工作服多為藍色， 布料也較粗，因此得名。藍領搖滾歌曲內容對這些人的喜怒哀樂多有描述。 如果廣義的說，藍領搖滾已不局限於勞工階層，而是所有市井小民的心聲。也因為它平易近人，又沒 有鄉村歌曲般的地方色彩，所以除美國外，其他國家接受度也很高，這些藝人裡最具象徵性 的自然是人 稱「工人皇帝」的布魯斯史普林斯汀。從布魯斯史普林斯汀的作品中可以聽到對人文、社會的關懷，細 緻的描寫但不流於男歡女愛的感情世界，無怪乎有人稱他為 "搖滾良心"。
混沌不清的90年代
• 雖然20世紀即將結束,但是90年代的藝人,作品尚未經過時代嚴格的考驗,還不知他們對21世紀會產生什麼重大影響力,但是我們相信他們絕對經的起焠鍊而成為經典.
• 獨立時代來臨與另類：世紀末的告白 昔日的主流唱片公司在商業的考量之下,往往令藝人覺得對自己所作音樂欠缺完全主控權,於是,於是一些有心人士開始自創品牌,自組小公司,他們的發行網不像主流公司龐大,因此也不期望一發片就能席捲整個音樂市場. 這些所謂獨立廠牌較關心的反而是音樂的原創性. 八○年代晚期一些獨立廠牌也開始進行發行網的整合工作 這些獨立廠牌便稱之以Independent Label,即獨立於主流之外的意思,在這些廠牌中所推出的作品由於漸受大學生等知識分子青睞,所以自成一派,不過沒有固定的音樂形態,只好統稱為Indie Music. 進入九○年代之後,許多Indie的團體紛紛被網羅至主流唱片發展出另類的風格,不久後昔日的另類終於也成為了今日主流音樂之一. 例如1985年成立於曼徹斯特的四人團體石玫瑰合唱團(Stone Roses),在與主流公司簽約後立刻推出同名專輯,幾乎現在的主流音樂元素都可從這張十年前的作品中窺得. 又如由Morrissey 領軍的史密斯合唱團(Smiths)和來自紐約的音速青春合唱團(SonicYouth)都被推崇Indie 或者另類的前輩級人物.
• 油漬搖滾(Grunge) 將Grunge翻譯成油漬搖滾(第一次看到這個名稱是在大成報)的確相當傳神,不僅服裝如此,樂手看起來就好像蓬頭垢面,不修邊幅,剛從修車廠出來,由於演唱此類歌曲的團體多來自西雅圖,所以又稱為西雅圖之聲. 它原是主漓之外的音樂,也就是另類的一支,充滿粗糙 隨性,有著龐克外的精神,直至超脫和珍珠果醬兩個合唱團"從不介意"和"Ten"專輯,受到青少年的膜拜,油漬搖滾才真正登上主流之門.
• 電子新世代 電子樂器於搖滾樂中的使用,似乎從未間斷過,但為何出現"新世代"這個名句?那是因為電子樂器 技術 聲音的運用不斷改良 創新的結果,產生了與以前迥然不同的功效,進而音樂也不在一味因循舊的搖滾模式. 另一方面由於電腦普遍應用整個社會也進入它腦時代,凡是與"電"有關彷彿就是時髦的代名詞. 因此, "電子新世代"自然就是二十世紀末這些廣泛運用大量電子器材製造出的音樂藝人總稱. 當然音樂還是分英 美兩派. Brit Rock Brit Rock 即British Rock 的簡稱,或可翻為英倫搖滾,一般都以英國曼徹斯特為發源地,而其中較著名的團體莫過於[綠洲]和[布勒]兩個合唱團,英倫搖滾在形態上似乎與六○年代第一次英倫入侵的利物浦之聲相差不多,不同的不過是另一批年輕人以較先進的設備所做出的音樂,它反應的也當然是現在的社會和Y世代的思想.
女性 主義的覺醒 其實女性主義並不是九○年代的產物,此處的女性主義指的是女性 藝人在搖滾樂大大抬頭,從五○年代清一色男藝人領軍,到六○年代黑人流行歌手中戴安娜羅絲 艾瑞莎富蘭克林當紅,藍調 迷幻搖滾歌手珍妮絲買普林竄起,經過近半世紀的演變,女歌手或以女性 為主的團體在九○年代終於有了突破性發展,不再只是花瓶的角色,她們也朝多才多藝的目標發展,不只歌唱還要創作歌曲 樂器樣樣都來,儼然有與男性藝人一別苗頭的氣勢.
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Moderator: 賴某
淺 談 音 樂 類 型
爵士樂(Jazz)/藍調音樂(Blue)/Rap音樂/搖滾音樂(Rock)/其他音樂類型
爵士樂可以說是西洋音樂中的長輩了，因為她從20年代就開始流行，而且也造就了許多爵士名樂手，其實，爵士樂並不算完全的流行音樂，他還包括了一些樂器演奏的成分在內，像是薩克斯風、小喇叭或鋼琴，而音樂則是屬於多變且浪漫，到現在爵士月都還十分流行，有許多的死衷者，他們認為現今的古典音樂太過粗俗，於是選擇了優雅的爵士樂.爵士樂一直給人比較有學問的感覺，原因大概就在此吧!
其實爵士樂的發展，也是分為很多階段的，從早期的爵士樂，到所謂的Bop樂風，都風靡一時.爵士樂壇的十大樂手：
Louis Armstrong路易士.阿姆斯壯
Billie Holiday比利.哈勒黛
Art Blakey亞特.布萊基
Thelonious Monk 塞隆尼斯.孟克
John Coltrane約翰.柯川 Duke Ellington艾靈頓公爵
Charlie Parker 查理.派克
Charles Mingus 查爾斯.明格斯
Miles Davis邁爾士
Ornette Coleman歐納特.柯曼戴維斯
以上十大爵士樂手你認識幾個呢?如果一個都不認識，那麼你得試著去接觸他唷!
接著就從早期的爵士樂開始介紹爵士樂的發展：
早期的爵士樂Early Jazz 始於20~30年代，特徵：經常做集體的即興表演，常以鋼琴演奏初箇中爵士樂風貌，以左手一拍子彈奏低音和絃，而已右手彈奏快而豐富的曲調. 代表樂手：Louis Armstrong，Sidney Bechet，King Oliver，Kid Ory，Scott Jopin，Jelly Roll Marton等.
大樂隊式爵士樂和搖擺樂Big Band & Swing 流行於30年代，樂手多與樂團或大樂隊合作，注重於表現音樂的旋律性，強調音樂讓人想搖擺的感覺和展現個人風采. 代表樂手：Benny Goodman，Duke Ellington，Count Basie，Billie Holiday，Dinah Washington，Ella Fitzgerald等
比咆勃Bebop 誕生於40年代，被認為是爵士樂的濫觴.強調演奏的技巧和複雜的和音，這類音樂通常不適合人聲演唱，多變的伴奏使原來的樂手有更多伴奏樂器的選擇. 代表樂手：Charlie Parker，Dizzy Gillespie，Lester Young，Coleman Hawkins，Roy Eldridge，Carlie Christian，Jimmy Blanton，Jo Jones等
酷爵士樂Cool Jazz 與比咆勃音樂做對比，聽起來較輕鬆，，多依賴管樂做演奏，與拉丁美洲所傳進的音樂合稱拉丁爵士樂 代表樂手：Stan Getz，Gerry Mulligan，Chet Baker等
重咆勃Hard Bop 50年代發展，是比咆勃的延伸，也是酷爵士樂的反動，一方面延續了比咆勃的節奏性，一方面又加入了藍調與福音歌曲，聽起來較柔和，但技巧也非常高. 代表樂手：Art Blakey，The Jazz Messengers，Clifford Brown，Stanely Turrentine等
後咆勃Post Bop 50年代~60年代，使爵士樂的全勝時期，此時期有許多頂尖的爵士樂手，此時期繼續承接比咆勃的樂風，但卻融入了許多不同的元素在內，使爵士樂變得豐富許多 代表樂手：Miles Davis，Gil Evans，John Coltrane，Charles Mingus<Thelonious Monk，Bill Evans，Wes Montgomery，Woody Herman，Stan Kenton等
自由派和前衛派爵士樂Free Jazz&the Avant Garde 50~60年代盛行，音樂多為實驗性質，不是將傳統類型，合音，旋律和節奏極盡延伸就是所幸不予理會. 代表樂手：Ornette Coleman，Don Cherry.Sun Ra，等
融合樂Fusion 60年代晚期，音樂加入了電子音樂，搖滾樂，放克樂，將爵士樂更加通俗化，爵士樂也逐漸擠進流行音樂的行列裡， 代表樂手：Miles Davis，John Mclaughlin，Spyro Gyra，Chuck Mangione，Wayne Shorter，Joe ZawinulJeff Lorber Fusion等
後現代派爵士樂Post Modern Jazz 70~80年代，樂手們開始從20c.的古典音樂，非洲音樂和其他各國的音樂中旬照題材，將自由的爵士樂發揚光大，甚至揚棄了傳統的爵士音樂. 代表樂手：Don Murray，Charlie Haden，The World Saxphone Quarter，Art Ensemble of Chicago，Oregon等
今日德爵士樂The Present 又再度回到比咆勃或後咆勃的樂風，乃爵士音樂的"新古典主義"時期，且把與作曲理論，合音，節奏，曲式等相關思潮的新手法加入爵士樂裡.此外 ，此一十其中也迸出了許多新的樂派，像是M-Base等. 代表樂手：Wynton Marsalis，Ornette Coleman，David Murry，Joe Henderson，Dewey De Johnette等
說到藍調音樂，就不得不提起黑人.因為在19世紀前後，黑人被當作奴隸販賣，其中的不滿和苦悶也只有在農閒十才能偷偷地低吟，抑鬱地哭訴自己的不幸。所以藍調一直給人憂鬱的感覺，其實也是有它的背景的。
藍調是一種十分富節奏性質的音樂，通常是以慢慢的、規律性的拍子律動。它採用在樂理上稱為Suffle的拍子，以一些簡單而重複的句子組成音樂，和絃的進行上通常使用145級的七和絃來串聯全曲。而在歌手的吟唱與樂手的伴奏下，即時地把歌曲的憂鬱表現出來。最特別的是藍調的即興創作的魅力，常令人感到妙不可言!之後，除了原本憂鬱的藍調音樂外，更發展出了屬於節奏感的節奏藍調(R&B)，同樣受到很大的迴響!
藍調的發展可分為四個時期，以下是其整理：
早期40~50年代 代表歌手：B.B.King，Albert King，Muddy，Waters，John Lee，Hooker，Buddy Gay 這些都是黑人藍調的先驅者，雖然或許因為才剛初始所以技巧性略顯不足，但卻都各具特色。說真的，許多現今的藍調音樂都是出自於他們的筆下，後世的小輩可以從他們的音樂中學到不少技巧。而且所謂真正的“純藍調“也還得從他們的音樂中才能領略出來呢!
中期60~70年代 代表歌手：Johnny，Winter，Eric，Claption 此時期藍調音樂逐漸被白人所接受，甚至打進白人流行音樂的主流。藍調音樂在此時融入了許多搖滾音樂的元素，所演奏的音樂通常較快速，且技巧性高，有時更給人煩躁的感覺，令人覺得頭愈聽愈疼。從此以後，藍調的風格不再單純，而多了許多不同的成分，對其評價也逐漸呈現兩極化。
晚期80~90年代 代表歌手：Stevie Ray，Vaughan，Gary Moore，Juff Healey 此時起的藍調音樂歌手承襲了前人所留下的高技巧，將藍調賦予更多的變化，使它更多元。除了使用現代音樂類型的成分，無論是錄音品質或是音效都比過去的藍調更講究了。但也因此，藍調音樂的發展似乎產生了偏轉，花俏的內容常令人有複雜而犯大眾化的感覺，而與原本憂鬱的藍調背道而馳。
近代的節奏藍調 代表歌手：Toni Braxton，Whitney Houston，TLC，Jennifer Lopez 節奏藍調又稱為R&B，它在40年代時是一種快速的藍調音樂，演唱者必須要有高度的節奏感，雖然不一定要有美妙的歌聲，但已能帶動全場氣氛為最主要.它集合了藍調曲式和即興重複的節奏 ，更適合於舞蹈
RAP音樂主要來自美國，是由Hip-Hop音樂所發展出來的一種音樂模式.Hip-Hop是在十六年前開始於美國，日後流傳到全世界的一種音樂.在結合了美國的黑人音樂，語言，舞蹈，穿著打扮等風格於一爐，變成了今日不斷創新的Rap音樂風格.
史上第一張Rap專輯是1979年在美國紐澤西州的一個小錄音是完成的，專輯名稱叫做"Rapper's Delight"，就這樣把Rap音樂介紹出來.同時在1980年左右，紐約黑人區的Disco已有許多唱Rap的DJ在表演，他們開始精研唱片的技巧，帶領顧客們進入有趣多變的Hip-Hop世界.
Rap音樂是以一段固定的旋律，節奏，配上Keyboard，刮唱片和快的聽不太懂的RAP所組成.如今Rap音樂已被許多樂迷所接受，就連許多排行榜及獎項都有Rap音樂的份.而Rap的團體也逐漸分支：有講籃球的樂團 ，有反抗社會的樂團，有帶有種族主義的樂團，有政治化的樂團，也有由地方幫派組成，話題圍繞在槍械，毒品，暴力和求生存的樂團.但無論如何，這些不同的Rap形式，都充分表現出美國黑人的心聲及不滿 ，而有話想說，又有才華的年輕人，也能在不同形式的Rap當中，找到自己的天空.
由於Rap音樂的不斷分支，如今的Rap音樂也分有許多不同的類型如下：
Seattle(西雅圖) 特色：節奏簡單，快速，非常適合跳舞. 代表藝人：Criminal Nation，Sir Mix-A-Low
Oakland(奧克蘭) 特色：帶有一種清新，抒情詩的風格，略顯的下流 ，慵懶，柔軟的感覺. 代表藝人：Souls of Mischief，Saffer Del，Too Short，Ant Banks，Ea-Ski，CMT，Dru Down
Sanfrancisco(洛杉磯) 特色：善於利用現場鼓聲特效，歌聲粗俗且慵懶，描寫社會的黑暗面. 代表藝人：Dispossable Heroes，Midniht Voices，Consolidated，JT Tha Bigga Figga and Rapping 4-Tay
Vallejo( 特色：戴著Funk風味把美國東海岸的節奏風格和西海岸的俚語以及他中板又軟弱的Bean mix合在一起 代表藝人：N2 Deep，Funky Aztecs
Long Beach 特色：音樂製做相當精良，混合許多音效，也非常有旋律且節奏感也頗重，強調真正的說唱舞曲.樂曲中說唱並重，並帶有一點Jazz風格 代表藝人：Dr.Dre，Snoopy Doggy Dogg，WarrenG ，Domino
Compton 特色：富旋律性，描寫黑暗的風格 代表藝人：N.W.A，Eazy Eand，King Tee，DJ QUIK，Mc. Eiht，Clloio
其他LA地方 特色：這兒的樂團總是標榜著自己的地盤特色，說實在的並無什麼特殊風格. 代表藝人：Ice Cube，South Central Cartel，Pomonas Above the Law，Watt's O.F.T.B，Kid Frost，Rapper-Ice T，Rapper House of Pain，Cypress Hill，Funkdoobiset
Houston(休士頓) 以殘酷的情節描寫人們為了金錢利益互相殘害的事實，歌曲動聽，旋律比較複雜，影響了很多後來的樂風. 代表藝人：The Geto Boys，Bushwick Bill，Scarface
Chicago(芝加哥) 歌曲挑情，貸給人們激情的浪漫. 代表藝人：R.Kelly，Da.Brat
Cleveland 以福音合唱方式和讀一無二的快嘴配合旋律的押運，聽起來就好像在教堂演唱.有時Rap速度之快甚至連外國人都聽不懂.他們的音樂風格詭異，多圍繞在槍械，毒品，和金錢上. 代表藝人：Bone Thugs N Harmony，Easy Z
Atlanta(亞特蘭大) 成員年輕，已非洲的原始風格，回歸到自然的Rap，聽起來像是民謠專輯. 代表藝人：Another Bad Creation，TLC，Kriss Kross，Arrested Development
搖滾音樂可以說是在市場風靡最久且最具代表性的音樂了.其實細分起來，搖滾音樂包含有許多不同的類型，像是重金屬搖滾 ，龐克搖滾，前衛搖滾...等.每一種音樂都有它不同的背景，現在就為您一一介紹：
Hard Rock(硬式搖滾)
在60年代初期，硬式搖滾並不屬於商業化的音樂，如Crcam，Yardbirds，AC/DC，The Who等，當時與其他音樂比較起來，硬式搖滾聽起來較有爆發力，也比較重視音樂本身的技巧.但所做初的音樂不是很大眾化.硬式搖滾主要融合了藍調，搖滾，和當時的流行音樂. Heavy Metal(重金屬搖滾)
重金屬音樂主要在表現樂手本身的音樂技巧，編曲總是特別的長.此類音樂重視音樂本身的創作，所以整張專輯通常不只是一首主打歌.主要藝人包括有Led Zeppelin，Deep Purple，Black Sabbat等
Grunge Rock(非主流搖滾)
非主流搖滾的音樂總是散發出青春的活力，再加上被扭曲的吉他演奏，吸引了不少的年輕人.而這種樂風也啟發了後來punk的熱潮，期音樂表現也影響到一些90年代的超級搖滾樂團.非主流搖滾的代表有;Vilvet Underground，Iggy Pop，MC5，The Stooges等. Progressive Rock(前衛搖滾)
前衛搖滾在60年代到70年代就開始發展.它是屬於試驗性質的音樂.編曲較複雜，樂曲也較長.另一個特色就是他喜好用許多先進的電子樂器所做出來的特效.主要藝人有 ：King Crimson，Rush，Yes，Eloy等.
Psychedelity(嗑藥搖滾)
60年末期到70年代初期流行了一振嗑藥風，同時音樂也跟著掀起一陣子的迷幻風潮，此時期的音樂有濃濃的宗教色彩，音樂創作也特別注重在精神和性方面.此時的樂團喜歡用自己獨特令類的怪名稱當作團名.他們希望使人們相信他們的人生哲學.代表樂團有 ：Pink Floyd，T2，Van Der Graaf，Generator，The Electric Toilet，Syd Barret Punk(龐克搖滾)
70年代末期在英國出現了一種充滿了當時年輕人的叛逆文化，廣受當時的年輕人的歡迎.但說實在的，當時的龐克音樂實在只有暴力，憤怒，沒什麼深度，而且每一首歌都非常短 ，也十分簡單.但，旁可搖滾也可說是許多音樂的先驅，藥是沒有它，可能也沒有Hardcore，Thrash，Goth等曲風了.代表樂團有：The Clash，Sex Pistols，The Ramones.
Hardcore(極端龐克)
這種龐克可以說是極端的搖滾樂，主唱一勁爆的嗓音與強勁的節奏，再加上80年代的金屬音樂風，讓Hardcore受到大家的接受與喜愛.主要的樂團有;Dead Kennedys，The Hard One，D.O.A，Korn等. Thrash(鞭擊金屬)
這種音樂是在旁可音樂之後演變成包含更勁爆編曲再加上讓人亢奮的吉他Solo與重複的強烈編輯金屬的主要架構.代表樂團有Anthrax，Testament.
Speed Metal(疾速金屬)
Speed Metal可以算是在鞭擊金屬雨衣些注重吉他搖滾之間的音樂風格，雖然他本身的音樂並不像Thrash一樣極端，但歌曲經常會利用2個主音吉他手彈奏一段很快的Solo，經常令人陶醉.主要的樂團有：Cacophony，Racer X，Rage. Death Metal(死金屬搖滾)
這種音樂是比鞭擊金屬還要極端的音樂，節奏快速，但歌詞含渾，聽起來好像含著水在唱歌.死金屬的音樂特色在其音樂意識型態上，例如對於死亡的崇拜，強暴，死屍的變態的主題.主要的樂團有 ：Six Feet Under...等.
其他音樂類型的介紹
Alternative（非主流）
1、Alternative Country 非主流鄉村音樂：非主流鄉村音樂，由鄉村音樂演變而來，主要代表人物 Alanis Morissette 。
2、Alternative General 非主流：就是非主流啦，你說不好Smashing Pumpkins是什麼風格吧？有點工業，有點古典，有點搖滾，現在又有點電子，就是這種你不知道是什麼風格的東東，全算成非主流吧。
3、Brit Pop 英國流行：英國流行，音樂風格清新流暢，節奏輕盈，旋律悅耳，可以看作是延續Beatles 前期曲風的當代英國搖滾樂；代表人物：Oasis，Blur；中國：清醒樂隊
4、Experimental/Post Rock 實驗搖滾：實驗搖滾，嘗試把各種效果加在在一起的東西，但有時候就不是什麼東西了
5、Goth 哥特：哥特（神秘而陰暗的詭異音樂），後朋客音樂向神秘情調發展而產生的一種音樂風格；代表人物：Nick Cave，Bauhaus，Peter Mophy；中國：做夢樂隊（竇唯）
6、Grunge 垃圾搖滾：垃圾搖滾，post punk風格在美國發展出的主流分支，以西雅圖為發源地，是非主流向主流演變的最典型實例，音樂中多使用粗糙的吉他噪音效果，結構上多使用由慢節奏到爆發出的快節奏的方式，後期向新浪潮風格靠近；代表人物：Nirvana，Pearl Jam；中國：周韌，許巍
7、Industrial 工業音樂：工業音樂，音樂從早期的試驗音樂發展而成，無旋律，無節奏，使用大量音效和噪音，刺耳
8、New Wave 新浪潮：新浪潮，post punk向明快風格發展的一個分支，音樂顧名思義，清新並富有旋律性，多使用當時先進的電子合成器；代表樂隊：Talking Head
9、Punk 朋客：朋克，由無所事事的中產階級所創造的無賴式的音樂，音樂通常會表現出破壞性的威力，音樂缺少文化性，但是充滿力量和快樂，很容易為青年人接受，雖然這種音樂出現在二十世紀六、七十年代，但其作用直到二十一世紀仍在持續；代表人物：Sex Pistls，Clash；中國：腦濁
10、Ska：來自牙買加得快節奏沙灘舞曲，產生年代雖早，但繼而就進化成了raggae 風格，直到後來與 punk 風格相融合，才使他成為了一種同時具有爆發力和歡樂情緒的音樂，容易被人接受，也得到非常多的聽眾的承認；音樂多採用吉他的短切音彈奏，舞曲式的跳躍感很強；代表樂隊：Suicide Machine；中國：反光鏡
11、Post punk 後朋客：後朋克，二十世紀70年代末80年代初產生自英國的一種音樂風格，與朋克風格並無直接的傳承關係，但是音樂精神上秉承朋克破壞和無畏的特點，成為日後很多非主流音樂風格的起源，音樂較之朋克樂更具有旋律性和壓迫力；代表人物：Joy Division，Cure
Easy Listening
1、Musicals/Broadway：音樂劇
2、New Age：新時代音樂，試圖採用交響樂式的大樂隊組合加上流行音樂和古典音樂的樂器營造宏偉的氣勢以取悅各個層面上的聽眾；代表人物：陳美，雅尼
Electronic 電子音樂
1、Ambient 環境音樂：環境音樂，多採用音效和採樣，製作表達創作者心情的氣氛音樂，旋律和節奏在音樂中顯得並不重要，代表人物：Brian Eno
2、Breakbeat/Breaks 碎拍：碎拍，突破舞曲節拍速度極限，狂飆至180拍/分鐘的令人瘋狂的電子舞曲
3、Dance 舞曲：舞曲
4、Drum N'Bass：以鼓和貝斯為主的電子舞曲，音樂常常由於無節制的 loop 搞的氣氛密幻，音色走低頻震撼路線
5、Electronica 電子：電子
6、Experimental 實驗電子：實驗電子，既然是試驗就不能明白他們到底要搞些什麼，恐怕是先鋒藝術吧；代表人物：大有良英
7、House 豪室：豪室，80年代的電子舞曲，合成器在落後科技下製作出的音樂，但是成為現代電子舞曲的起源，現在聽來很有懷舊的復古情緒
8、Industrial Electronic 工業電子：工業電子
9、Techno：90年代流行的電子舞曲，由於 DJ 們找到了電子合成器的新時代使用方法，由此創造出的 140 拍/分鐘的舞曲音樂，優美但令人眩暈的旋律和清晰的節奏可以為癮君子提供美好音樂環境
10、Trance 迷幻電子：迷幻電子，走高頻音色的一支迷幻電子舞曲風格，由 techno 直接進化而來，迷幻感更強，更直接
Hip Hop / Rap 說唱
1、Alternative 另類說唱：另類說唱，由Hip-Hop的風格中衍生出來，但其內容意味反叛，不單表現在歌詞的內容上，同時也表現在另類說唱樂者在創作過程中對傳統說唱樂的排斥與改造上。代表：De La Soul
2、East Coast 東海岸說唱：東海岸說唱，言辭激烈、犀利，表演刺激、狂放，代表人物：Run-D.M.C.，Public Enemy
3、Hip Hop：很早發源于美國的黑人流行節奏舞曲，節奏快，當今的 Hip- Hop融入了大量電子舞曲的形式，成為當今流行音樂中的主流勢力；代表人物：Back Street Boys
4、Old School 老式說唱：老式說唱，指那些早在七十年代末，八十年代初的說唱樂歌手們的曲風。在此一時期"舊式說唱樂"的風格很明顯，樂曲總是伴有單調而直白的鼓點，說唱樂手也很少在樂曲中間斷。代表人物：Beastie Boys
5、Rap 說唱：說唱，源自早期美國舞廳中的 DJ 現場表演，節奏感強，逐漸成為一種以黑人為主的舞曲形式，分化出大量支派，是美國的主流音樂形式
6、West Coast 西海岸說唱：西海岸說唱，內容多是反映歌者對經濟繁榮時期美好生活的癡心嚮往。它承繼著大部分傳統唱樂的風格。代表人物：Ice Cube
7、Hardcore Rap 硬核說唱：硬核說唱，Hip-Hop之一種，說唱中一種更具有力量感的音樂形式，打破以往說唱及舞曲的形式，具有更強的破壞力和煽動力，其背景總是伴以不斷弱化的鼓點，而歌詞也大都反映與社會背道而馳或與一般人相異的思維方式。代表人物：N.W.A.，DMX
Metal 金屬
1、Heavy Metal 重金屬：重金屬，金屬風格的始祖，一切金屬風格音樂形式的根本，吉他的失真音色，solo-主歌-solo-副歌類的結構，力量感、煽動力，由此很早就奠定了金屬音樂主流的地位；代表樂隊：Led Zeppelin
2、Black Metal 黑金屬：黑金屬，格調陰暗，樂隊大多有宗教信仰，不乏邪教教徒，音樂內涵和死亡金屬，但相比之下還算有文化；從形式上分析，音樂頻率較高，吉他很少使用切音音色，嗓音也可以用刺耳來形容。
3、Dark Ambient/Noise 黑暗氛圍：黑暗氛圍，音樂沒有什麼旋律，用音效來製造令人壓抑的氣氛
4、Death Metal 死亡金屬：死亡金屬，一種格調更加陰暗，大量使用吉他切音音色和咆哮式的低沉嗓音，音樂主題以死亡為主。
5、Doom/Stoner Metal：早期死亡金屬的一支，音樂節奏較慢，吉他音色中切音較多，主要為營造一種陰暗的情調，現在已經比較少見了
6、Gothic Metal 哥特金屬：哥特金屬，節奏同樣較慢，是哥特風格和金屬風格的融合，場面宏大，比Doom Metal風格更加細緻，氣氛也更陰暗
7、Grindcore Hardcore：向金屬風格的進化，死亡金屬前身，粗糙，無旋律
8、Power Metal：一種比較追求力量感的金屬風格，對宏大的氣氛並無太多要求，但一定要有煽動力，往往運用 rap 音樂的唱法，但唱詞往往並不合轍，代表人物：Rage Against the Machine
9、Rapcore：金屬音樂的伴奏加上 rap 的演唱，當然演唱起來更狂野更粗暴，是一種融合的風格；代表人物：Limp Bizikit
10、Thrash/Speed Metal 速度金屬：速度金屬，金屬風格中得最主流，善於以高速的吉他技巧和高頻失真的吉他音色煽動聽眾，音樂氣氛火爆，當然還少不了那高亢的嗓音；代表人物：Metallica，Mega Death
11、Spiritual Metal：這種音樂比較強調一種古典的氣質，場面宏偉，音樂華麗，這種風格的多數作品還是旨在營造神秘、華麗、唯美的音樂氣氛
Urban/R&B
1、Funk：瘋克，一種黑人音樂，音樂性和節奏性都很強，多運用不合協和絃和音階，很有特色。代表人物：Prince
2、Soul：靈歌，一種黑女人哼唱的憂鬱小調
World/Folk
1、Folk 民謠：民謠，在原音音樂中運用來自各地的民間歌曲元素都可以稱作folk，曲調上到樂器上都算，但是不包括電子音樂中的民間音樂採樣；代表人物：The Pogues，
2、Reggae 雷鬼：雷鬼，一種來自牙買加的節奏感非常強的沙灘舞曲，與其前身 ska相比，節奏相對要慢一些，特點在於吉他的切音的使用，代表人物：Bob Marley，The Police
3、World Fusion：融合世界音樂，使用對民間音樂性質的素材的採樣，融合在其音樂中的音樂風格，代表人物：Enigima
人們對搖滾樂或"流行"音樂作出思考的時候，所考慮的不僅僅是包裝精美的唱片專輯、演唱、演唱組或者歌手形象。與電視、電影或戲劇表演不同(戲劇表演是否如此，可再作探討)，這種音樂的諸種形式必不可少地包括一系列交叉活動，卻沒有一種明確的原初話語或文本。如果把留聲機唱片視作搖滾樂的"文本"，那是輕視或者根本未考慮許多其他活動(如家庭演唱會、酒館的或俱樂部樂隊的現場演奏)，這些活動從來就不通過灌唱片來複製；同時，那也就忽視了搖滾樂的音樂形式是通過留聲機唱片以外的許多各不相同的技術來獲得傳播的途徑；這一傳播是主要的，其途徑包括"現場"演唱本身、錄影帶、電視和電影音帶唱片，以及目前的"促銷"錄影。
搖滾不易把握。我們難以將它納人我們固有的文化製品的模式來解釋它。例如，搖滾作爲一種音樂類型，尚無一個爲多數評論家所能接受的定義。把某種音樂稱爲搖滾，是將它與其他音樂形式，如爵士樂、古典音樂，或鄉村音樂區別開來，卻沒有對它下明確的定義。更重要的是，就連具體的搖滾到底是什麽模樣尚不清楚，因爲無論是唱片，還是歌詞，抑或曲子，它們均不能被視作原初的東西。這個音樂類型沒有文本。或者，至少是沒有詩或小說所擁有的那種文本；也即是說，搖滾的文本比後結構主義提出的一般文本要難下定義得多。搖滾的歌詞跟其他語言一樣飄忽不定。事實上，作爲一種隨意性極強的活動，搖滾無法用其任何形式特徵或産品來標明身份。我們需要找到一種新方法，來考察搖滾業已具有的那種文化構成，因爲把搖滾叫作音樂是對它的其他因素的一種壓制或者忽視，而正是借助於這些因素，搖滾方得以明確表達。
多數人很可能仍認爲搖滾是一種音樂類型。對這一流行說法無需去作明確的界定，但有些評論家已作了嘗試，認爲搖滾是搖滾音樂史上的一個特定的歷史階段。這些評論家沿用"搖滾"（rock＆roll）的名稱來指稱20世紀50年代出現的具有節奏和黑人民歌、鄉村音樂和美國西部音樂相結合的特徵的音樂，藉此，他們認定這是一種原創的正宗的音樂形式。將60年代的主流音樂稱爲"搖滾樂"（rock），他們確定了另一階段，在這個過程中，把無疑是一種更次要而且已經沖淡或者變劣的種類與原創的區別開來。但是，除了把這些評論家的趣味寫進歷史，這種階段性分類是建立在50年代搖滾的一個整體觀的基礎上的，然而，這樣的整體卻又只是個指代不清的模糊概念。不僅前兩個類型的混合不能告訴我們什麽東西，而且，它也僅僅描述了50年代少數幾位知名的搖滾歌手，主要是埃爾維斯，而不是小理查德或者查克•貝瑞這樣的歌手。問題在於，搖滾一直是個大雜燴，60年代的音樂只代表素材更加多樣化。最主要的是，搖滾／搖滾樂這種所謂的階段化理論壓制了從50年代至今的活動的連續性。60年代及以後與搖滾樂有關的各類活動--電臺節目、音樂會、舞蹈、音樂節等--要是沒有搖滾的出現所代表的美國大衆文化中的與傳統的決裂，那些活動都是根本無法搞成的。伍德斯托克音樂節本身可以視作搖滾的佳例，因此，音樂節上演奏的所有曲目，儘管形式各不相同，一概被恰當地歸人搖滾。
但是，如果搖滾不是一種音樂類型，那麽，它又是什麽呢？我的答案是把搖滾視爲某個歷史階段一種特殊的文化活動。能這樣來描述的不僅是搖滾，爵士樂、古典音樂、鄉村音樂和音樂喜劇均可作如是觀，而錄音業的興起已經改變了它們。也許，古典音樂評論家仍堅持認爲錄音能讓人回想起現場的演出，但對於多數聽衆，錄音業已成爲古典音樂最普通的經驗。爵士樂和鄉村音樂錄成唱片後，就發生了比古典音樂大得多的變化，可在錄音前，這兩種音樂要比搖滾樂更多地植根於音樂。F．司各特•菲茨傑拉德給20世紀20年代冠以"爵士時代"時，大致可以肯定的是，他沒有把音樂"錄"在腦子裏，不過，後來他腦子裏想的不僅僅是音樂了。他把爵士樂理解成一種文化活動，就像"搖滾"一樣，"爵士樂"這一名稱將音樂、舞蹈和性聯繫在一起。爵士樂不僅指某種音樂形式，而且還包括演奏爵士樂的非法酒店以及其中的行爲舉止。但是，作爲20年代的一種文化活動，爵士樂到了30年代就大致消亡，在某種意義上，爵士樂作爲音樂也隨之而去。爵士樂作爲一種大衆媒體也逐步變得合乎西部音樂中的主要傳統。到30年代，由"管弦樂隊"或者大樂隊演奏爵士樂，他們採用的是事先寫好或"編排好"的曲目和任何一個在古典音樂方面訓練有素的音樂家都能理解的演奏原則。
因爲搖滾出現在50年代電聲媒介"爆炸"的情形裏，所以，它的軌迹就完全不同。像爵士樂一樣，搖滾是在民歌形式的基礎上發展起來的，但已完全不同於後者。搖滾沒有漸漸地被馴服、被同化，而是獲得了自己的生命；它不僅是年輕人的音樂，而且還是他們熱衷的一種生活方式，更重要的是，它是生動鮮活地表現出來的音樂。它之所以獲得發展，不是因爲其特殊的音樂性，而是因爲特殊的社會狀況與技術發展的結合。如上所述，50年代及以後的青年文化假如不是因爲青少年成爲一個重要市場，即是說，假如不是因爲他們手上有一大筆錢要花掉，那麽，它也就根本不可能興起。青少年因爲有這筆錢，又因爲越來越獨立於家庭，就開始把自己視爲一個群體。他們尋找樣板，藉以把自己也想像成那樣的人。媒體提供了這樣的樣板，包括把少年犯作爲"新聞"來報道，並由詹姆斯•迪安和馬龍•白蘭度主演這類角色。商家都巴不得推銷青少年來買那些把他們自己與他人區別開來的商品。搖滾唱片就是這樣的一種商品，此外，還有牛仔褲和摩托車手夾克。但搖滾把以下兩種身份結構合而爲一。明星們既是樣板又是被擁有和迷戀的物件：僅在1956年，埃爾維斯的隨身物品就賣了數百萬美元。除了更加物美價廉的唱片，電視和電影也參與了搖滾的傳播，其規模遠遠超過菲茨傑拉德時代的爵士樂。1955年至1986年間拍攝的搖滾電影達四百多部。
那麽，作爲一種文化活動，搖滾就不僅包括音樂，而且包括與它聯繫在一起的其他形式和行爲；它還包括演奏者和聽衆。但是，如果把通常的等級關係顛倒過來，而僅僅用主體來代替客體，那是錯誤的。勞倫斯•格羅斯伯格（Lawrence Grossberg）認爲："如果不認爲那些歌曲的實際構成和聲音不重要，那他就有必要提出申辯說，不能通過直接闡釋其實際意義和聲音來說明音樂的效果"，格羅斯伯格說這番話的時候，是承認客體的難以把握性的。他的解決方法是訴諸搖滾聽衆自身的理解（"他們作出反應的結構"），以便瞭解音樂的意義和功能。這一策略認爲，主體意識到客體並對它加以控制，而非由一個起決定作用的客體在主體身上産生效果。我把搖滾處理成一種話語活動，意在拒絕接受給予我們客體或主體之選擇的模式。搖滾樂是一種符號系統-一或許是多個這種系統的聚合--同時又是一種活動；它是符號學的一種形式，又是演奏者和聽衆共同參與的活動。從話語實踐這一視角，人們不會問起搖滾對聽衆産生的"效果"，也不會問聽衆在理解這種形式時採用的方式所産生的"效果"。這兩個問題假設了一種主體／客體二元對立，並傾向於賦予對立中的某一方以主導地位。只認爲搖滾樂會産生某些效果，這是把聽衆視爲純粹的客體，而另一方面，把注意力集中在各個聽衆的體驗、理解上，或者拿音樂來派的"用場"上，都是使他們完全脫離話語。沒有什麽話語具有機械的效果，但又沒有任何主體能脫離話語。認爲演奏人和聽衆在一起做搖滾，就避開了上述話語與主體相脫離的兩種情形。
作爲文化活動，搖滾帶來了更多的産品和活動。本文篇幅有限，甚至作個概括都不可能。我不準備作這樣的概括，而是想檢驗一下搖滾得以表現的幾個非音樂層面，尤其是演奏家本人--做搖滾同時又由搖滾造就的演奏者。
首先，必須承認，缺少原初文本，或是多種話語的結合，並非是搖滾樂的專利。正相反，在許多方面，它讓人想起"古典音樂"作爲一種世俗形式出現之前的音樂製作方式。譬如，音樂會始于最早用音樂家來爲演戲伴奏。甚至今天，搖滾樂基本上也不是把幾種符號系統或話語結合起來的惟一文化形式。在本文題辭的那段話中，艾倫•杜蘭特也許誇大了搖滾的獨特性。電影就是多種話語結合的佳例，即使具體的電影最後能算作原初文本。另一方面，音樂和其他表演藝術的文本原初性一直是值得懷疑的，而且，隨著錄音的出現更是如此；錄音在總譜和演奏的基礎上增加了第三個"文本"。
總的說來，古典音樂與總譜是最相統一的。這一音樂以一個可視符號系統和某個具體的作曲家的作品來表現。這一表現是作爲一個標準或本體的面貌出現的。據此，任何個別的演出就可以作出好／壞判斷，這一表現成爲評論和學術研究的一個固定物件。演出雖然有某種程度的變異，但從總體上看，演奏者被視爲在演奏作品甚至被視爲展示作曲家才華的一種媒介。這一態度反映在古典音樂演奏中所表現的非常傳統化的方式裏。音樂會不僅意味著在聽衆和演奏家之間建立的一種單一的空間關係，而且還指每組人的服飾和行爲，兩者都反映出對正在被表現的客體的尊重。音樂家們的技巧就是演出中最重要的變異。儘管這一特性要起到一個總的美學範疇的作用肯定是模糊的，但它暗含了對音樂的駕馭和一種獨特能力的表現，兩者都代表了演奏者與作曲家之間的一種能力。演奏能手必須駕馭音樂--控制它以便作出自己的詮釋--但他們也必須爲它所駕馭，不然，就要冒看起來沒能按總諾來演奏的風險。儘管個人演奏風格是必要的，但是，作曲家的"意圖"也必須由演奏者表現出來。
但並非所有按照通常理解屬於古典音樂的形式都是一樣的。也許，就我希望說明的觀點而言，最爲有趣的例子是歌劇。歌劇作爲多樣話語的形式，位於我們稱爲古典音樂構成的一極，另一極則是那些傾向於數位而演奏者隱沒的樂曲風格和演奏技巧。沒有哪種音樂類型有歌劇演唱這麽重視技巧。然而，在其他許多方面，歌劇背離了典型的古典音樂構成。
當然，搖滾作爲一種文化活動，在許多方面都有別於古典音樂，例如，它不重演奏技巧。儘管20世紀70年代初有些觀衆確實看重一些樂隊(如"奧爾曼兄弟"樂隊、"感恩而死"樂隊[the Grateful Dead]和各式各樣的"埃裏克•克萊普頓車輛"樂隊[Eric C1apton Vehicles])中吉他手的演奏，但這是搖滾樂歷史上的例外。在搖滾存在的大部分時間裏，它始終明確地反對技巧。即使在"重金屬"搖滾樂中，掌握吉他演奏也只是一個重要的因素，但演奏者的技巧並非關注的中心，甚至在"布魯斯"音樂中亦是如此，儘管在這裏有更爲充分的理由爲此作出辯護。與音樂會獨奏者不一樣，吉他演奏只是演出的一個方面。他們決非只是音樂家，或多或少也是演員，扮演著他們創造的角色。搖滾樂聽衆並不是來欣賞或者僅僅聽聽演奏的音樂，他們來，爲的是要參加到一個事件中去，並與其中的角色建立起某種聯繫。這就是搖滾樂聽衆一般都要跟著一起唱、叫喊、吹口哨、跺腳和拍手的原因，他們認爲和搖滾歌手一樣，他們也有權發出自己的聲音，讓人聽到。
然而，技巧之外，搖滾和歌劇倒有許多共同之處。這種說法乍聽起來，似乎讓人大感驚訝，尤其是因爲搖滾和歌劇在音樂方面似乎毫不相同。某些搖滾--像由"憂鬱•布魯斯"樂隊(Moody Blues)，或者人們直接提到的"艾莫森、雷克與帕爾莫"樂隊(Emerson，Lake and Palmer)製作的藝術搖滾樂，以及"何許人"樂隊或布魯斯•斯普林斯汀演奏的音樂--確實有著與歌劇一樣的音樂性，但那不是我比較的目的。相反，搖滾和歌劇的主要相似之處在於，它們都是常常被人與音樂聯繫起來的活動，但又並非是純粹的音樂：它們通過許多名目不同的符號系統來與聽衆交流，而音樂只是其中之一。搖滾和歌劇十分依賴歌詞，但也有敍事，還有服裝、舞臺佈景、表演以及其他戲劇表演內容。搖滾樂與歌劇之間存在的其他相似之處在於它們各自所扮演的文化角色：比如，它們在一定程度上都傾向於使自己的歌手成爲名星，這在古典音樂器樂方面是極其少見的。路西亞諾•帕瓦羅蒂擁有自己的一批狂熱的"發燒友"，他們會瘋狂地擠向舞臺，擁在那兒。這種情形我們在搖滾樂迷身上能夠看到，卻無法從身戴珠寶、腳蹬高跟鞋的中年婦女身上發現。在19世紀，歌劇是一種流行文化形式，能激發起巨大的熱情，産生忠實聽友，偶爾還會在演出時引發暴力事件；有時，歌劇還明顯地與激進政治相吻合，如同60年代的搖滾樂。我注意兩者之間的相似之處，目的並非是要通過一個高雅形式光輝的襯映來提高一種大衆形式的聲譽；而是換個說法，要比較一下兩種都是"不純的"形式的文化內容。人們可以說搖滾想"高攀"歌劇--《湯米》(Tommy)已經這樣做了，但同時也可以說，當代把歌劇搬上舞臺，也是希望能夠像搖滾樂那樣製成錄影。
但是，我想說的不僅是搖滾是一種不純的音樂形式，我還想說，它甚至主要就不是一種音樂形式。一個有力的證據就是搖滾樂評論根本就未能提出有關它的甚至是最基本的音樂學話語。取而代之的是，現在有一套關於其風格的大致而現成的分類，包括索爾搖滾樂(soul)、鄉村爵士樂、"朋克"搖滾樂和"重金屬"電子搖滾樂。總的說來，這些風格帶有很少被質疑的傳統意義。這些風格的確定，既有音樂又有音樂以外的特徵。談到音樂以外的特徵，我們不妨從歌詞開始。歌詞可被視作搖滾的決定性特徵(純粹的器樂演奏家，如"冒險"樂隊[the Ventures]，只是些不要歌詞的特例)。但是，儘管歌詞普遍存在，儘管在多數搖滾樂評論中它們確實似乎是得到了最多的注意，但歌詞並非是這個音樂類型的最主要的方面，這是早就廣爲接受的一條美學原則。像R．E。M．樂隊《呢喃細語》這樣的唱片受到好評，那是因爲大部分歌詞都聽不懂。社會學研究已經聲稱要證明許多聽衆對於搖滾樂歌詞通常是忽略不計的。搖滾歌詞起的也許主要是"音樂的"作用，與爵士樂中的襯詞唱法(Scat singing)相仿佛，也可能就像歌劇(舞臺演出或製成唱片)中的外語歌詞那樣。
在美國，歌劇幾乎一無例外地用多數聽衆聽不懂的語言來唱。而且，如果改用英語來唱，他們就會怨聲載道，說他們怎麽也不明白歌詞了。但無論是在歌劇中，還是在搖滾裏，歌詞都不僅僅是音樂的一種表達。在各自的情況裏，即使不能馬上明白它們的意義，它們也都對演出的意義作出貢獻。即使聽衆聽到男高音唱"西萊斯特•阿依達"(Celeste Aida)時不明白它的意思，歌劇《阿依達》(A2J")仍被理解成一部敍事作品。同樣，儘管大多數人在聽"自由歐洲電臺"這首歌時不知其義，但會慢慢明白R．E．M．樂隊的意思與所有其他搖滾樂隊和歌手均不一樣。
歌劇有一個可以清理出來的原初"文本"，即歌劇腳本和總譜，即使它包括口頭和音樂兩套"話語"。這一文本在演出中可由不同的演出公司作出詮釋，但是評論家可以對它作出詮釋而不用去考慮某一次具體的演唱。杜蘭特爲搖滾樂爭辯時，說它沒有"單一的原初話語或文本"，指出把唱片看作原初的"文本"等於"忽視了搖滾樂的音樂形式如何通過各不相同的技術媒體進行重要的傳播"，包括音樂會、電影和錄影。隨便通過這些媒體中的哪一種，歌劇都可以被複製，但它還是與作曲家和腳本作者所寫的東西保持一致。搖滾到了電影或錄影裏，就不僅僅是被複製，而是被重新表達。如果錄相呈現的譬如說是一部敍事作品，那它很少真是歌曲所表達的敍事。有"搖滾電影"，譬如可以拿美國國際電影的任何一部來看，其中音樂的表現遠不如青少年題材重要。《黑板叢林》(Blackboard Jungle)中就有一首搖滾歌曲，即比爾•哈利和"彗星"樂隊合作的《晝夜搖滾》(Rock aroundthe Clock)，但這部電影幫助人們對危險青年的文化概念下了定義，並使搖滾成爲這一定義的一部分。這一概念及說明它的態度和行爲，與任何音樂內容或産品一樣，爲把搖滾定義爲一種明顯的文化活動作出努力。
像電影、電視、錄相這樣的技術手段通常被認爲對搖滾歌手起一種次要的或者僅僅是配合的作用，就像唱片製作人一樣。格羅斯伯格認爲它們不過是音樂的"設備"。但是，搖滾之王("貓王")本人的演唱生涯使人們對這種看法産生了懷疑。人們通常認爲，埃爾維斯•普萊斯利在山姆•菲利普斯的錄音棚錄歌獻給母親的時候，就標誌著(如果不是生産)搖滾的開始。埃爾維斯在這次及日後爲菲利普斯的太陽唱片公司錄製的唱片中，把人們常拿來定義搖滾音樂的形式因素都融爲一體。這些唱片在當地大受歡迎，所以，美國無線台公司就跟他簽約，全國發行。但是，埃爾維斯是在電視上第一次與全國聽衆見的面。人們有充分理由認爲，和他的音樂的形式特徵一樣，這些演出的視覺方面對爲搖滾下定義有同樣重要的意義。
埃爾維斯在電視上最引人注目的是他演唱時的舞蹈動作和快速旋轉。他最初在多西爾兄弟電視節目裏露面就包括他的舞蹈，但是，也許因爲看節目的觀衆數量相對偏少，也可能是因爲拍他的舞蹈動作時是從上方進行的，所以，幾次露面都反響不大。但他首次在彌爾頓•伯利電視節目上出現的時候，他的動作更加狂放，而且持久，不僅在器樂中斷時他還在跳，而且在"獵狗"整個後半部分演出中他也在跳。結果，專業評論家和自封的衛道土立即作出嚴厲的反應。公衆的強烈抗議差點使NBC取消下一場已定好在史蒂夫•艾倫電視節目中的演出。電視網沒有取消節目，但他們採取了一個措施，來限制埃爾維斯。艾倫把他包裝了一下，給他裝了尾巴，讓他對著一隻活的矮腳長耳獵狗演唱"獵狗"。當年稍後，法院傳令，阻止他在弗羅裏達傑克遜維爾的舞臺上做任何不雅的扭動動作。l 957年初，埃爾維斯第三次在埃德•沙利文電視節目上演出時，沙利文堅持攝像機只能對著他的上半身拍。
埃爾維斯的舞姿何以引起這樣的抗議呢?在大衆文化史上，他是第一位把身體作爲性客體公開展示的男明星。儘管多數電影男明星無疑一直都是表現性魅力，但是，他們的身體可從未成爲注意的中心。魯道夫•瓦倫蒂諾(Rudolph Valentino)和詹姆斯•迪安是兩個例外，他們是埃爾維斯的前輩，他們的身體在某些電影片斷中作爲"被崇拜的物件"來展示，演員自己就成爲衆多影迷(多爲女性)狂熱崇拜的偶像。但是，電影敍事和剪輯將瓦倫蒂諾和迪安表現爲活躍的主體，通過他們的視角，觀衆仿佛體驗了故事中所發生的事情；埃爾維斯則不同，作爲歌手和舞蹈者，他更多的是觀衆凝視注目的被動物件。當代評論家清楚地指出，讓人感到震驚的是他公開的性表露。他們暗示，他們意識到這也是對性道德規範的一種違反。埃爾維斯的演出被人用通常描述脫衣舞的術語來討論："猛烈顛動、扭擺不停"。等到他在伯利電視節目裏演出時，人家已經給他起了個綽號：骨盆，這當然暗含了它沒有明說的東西。但爲了把埃爾維斯和後來的搖滾男明星區別開來，我堅持認爲，在埃爾維斯的舞蹈動作裏，沒有陽物祟拜。他的服裝總是包括一件夾克，因而不是展示而且遮掩了陽物。他的動作模仿性交，他的演出應當理解成"性"暴露。這樣，他在演出中把"性"清楚地表達出來，而搖滾這個名稱所描述的就是"性"。但是，提請人們注意他的性感，就是說，把自己作爲性刺激和性興奮的物件呈現出來，他就不僅違反了傳統道德觀念，更糟的是犯了男性性展露的禁忌。犯這個禁，埃爾維斯就像多數女性而不像多數男性，他變得性物件化了。正如弗里加•郝格(Frigga HaMg)及其合作者所指出的那樣，"在父系社會裏，作爲婦女社會化的結果，她們被性物件化已屬家常便飯。婦女身體各部分--頭髮、大腿、乳房--都成爲女性物件化的部位，婦女時裝總是關注這些特徵，露出來供男人盯視，這樣，婦女就成了性物件的標誌"。後期搖滾歌手所表現出的異性模仿欲可視爲他們戴上了被性物件化的性別的標誌。
埃爾維斯的電視和短紀錄片展示了他被性物件化的另一個層面。據說，他在成名之前，到南方小俱樂部和學校演出，每當女孩子們尖叫、鼓掌時，他必做"扭臀甩胯"的動作。從這些早期演出的照片上看，少女少婦在看埃爾維斯的演唱時，已經進入各種各樣的狂喜狀態。埃爾維斯上全國主要電視節目時，觀衆成爲節目的一部分。伯利演出中，拍攝人員對拍攝的埃爾維斯的鏡頭和觀衆的鏡頭作了剪輯，觀衆的鏡頭並非是一大片模模糊糊、難以辨認的臉，而是特寫鏡頭。從這些臉上可以看出演唱者在觀衆身上引發的激動。但這一剪輯也突出了作爲觀衆注目物件的埃爾維斯。不僅是現場一批觀衆(每位觀衆都是一個成員)在看他，收看電視和短紀錄片的觀衆也感覺到埃爾維斯成了無數人(幾乎清一色是女性)目不轉睛地看著的物件，這些入有的在尖叫，有的已昏厥過去，還有的以別的方式發狂。埃爾維斯的這次演出在形式上等同於這一鏡頭／逆鏡頭編輯，這種編輯有條不紊地展示了敍事電影中的凝視。它成爲搖滾樂演出的標準版，60年代，英國搖滾樂"殺"過來的時候，又被多次重復。這些照片展示給其他歌迷，讓他們知道在搖滾樂演出中如何作出合適的反應，而同時又創造了表現男性性征的一個新方法。
50年代，搖滾上電視演出也許一直是多資料滾樂迷親眼目睹這一活動的渠道。然而，60年代，搖滾音樂會成了電視的對手。現代搖滾音樂會70年代在弗蘭克。巴薩羅那(Frank Barsalona)這位策劃的影響下，成爲"保留節目"；巴薩羅那爲了確保有觀衆，答應"'保證'能在外度過一個良宵"。音樂會作爲一種形式，早就被古典音樂和搖滾的前身流行樂標準化，但搖滾音樂會演出尚有一個非音樂會傳統，即俱樂部爵士樂和節奏布魯斯音樂家的演出。在這些音樂類型中，觀衆扮演明顯不同的角色。在(非歌劇的)古典音樂會上，觀衆是被動的，注意力集中在舞臺上；而在俱樂部，音樂家也許是也許不是觀衆的關注焦點。音樂家中心地位的消解增強了觀衆的參與程度。不僅俱樂部老主顧肯定要跳舞，在演出過程中，一般還要吃喝、聊天。搖滾音樂會老主顧融合了音樂會和俱樂部的行爲舉止，同時，也加入了自上舞臺的人，所以，演唱組也就像與其聯繫在一起的任何符號或製品一樣，被製作了。
我們來考察一下"門基"演唱組(the Monkees)的情況。這是娛樂業造就出來以表現情景喜劇題材的一個演唱組。該演唱組在60年代灌制了許多成功的單曲唱片，80年代後期，人們又一次對他們的唱片發生興趣。問題的關鍵不僅在於有可能憑空組建一支搖滾樂隊然後像肥皂或汽車那樣賣出去，而且在於娛樂業這樣做幾乎未遇上什麽反對意見。"門基"演唱組與娛樂業試圖推銷出去的大多數其他新搖滾樂隊的差別根本就沒有那麽大，除了他們有自己的電視節目，還有一個銷售機會，這是其他新樂隊所無法享有的。但是，他們唱片的被接受的情況表明，觀衆並沒有因爲知道了樂隊是由扮演音樂家的演員組成而有什麽妨礙，也許觀衆已經把搖滾明星視爲某類演員。然而，"門基"演唱組得以成功，完全是因爲替他們製造了一種真實感，似非而是的是，不僅通過其電視節目所賦予他們的虛擬生活，而且也借助于慣常的做法：把有關採訪和傳記材料在樂迷雜誌和其他媒體上刊登出來。於是，他們漸漸地好像就是在扮演自己。
如果"演唱組"這一術語聽上去似乎有點彆扭，雖然並不愚蠢，那完全是搖滾假定誰像誰就是它的明星的緣故。我們並不認爲約翰•列依或者鮑勃•迪倫在扮演一個什麽角色。我們也不認爲古典音樂獨奏家在扮演角色，可我們從他的演出中也聽不出多少關於他的個性。也許，我們從歌劇明星所扮演的所有角色中都能感覺到他的個性特徵，但像米克•賈格爾這樣一名搖滾樂歌手即使是在一部故事片中扮演另一個角色，他演的總還是米克•賈格爾。然而，"列依"、"迪倫"和"賈格爾"都不是存在於任何歌劇腳本或電影劇本中的角色，這有別於歌劇或電影中的情形。搖滾歌星塑造另一角色時，並不去改變自己或賦予角色以生命；他們一路唱下去的時候，在演繹自己。
不過，這些角色並不像他們初看起來那麽新穎。即使是最個性化、個人最具有表現力的歌手充其量還只是他們自身塑造中的配角而已。譬如，迪倫要我們相信，音樂風格多樣，有民樂、搖滾樂、鄉村音樂，還有福音歌，但全都是自我抒發的佳例。嘗試著這些不同風格樂曲的演唱，迪倫塑造了一系列人物，都是些不同的社會角色。也許，他最有名的是被稱作像《風中吹著》和《你總得爲某人服務》這樣殊異的預言的先知，但他也扮演著美學家(《重訪61號公路》和《無數金髮女郎》)，扮演美國南方的流行樂歌手(《約翰•韋斯利•哈丁》和《納什維爾的空中輪廓》)，還扮演自白派詩人(《路上的血迹》)。迪倫已經扮演的所有這些新角色，每一個都是事先寫定的，倒不是懷有把鮑勃•迪倫推向市場的目標，而是作爲業已存在的文化系統的一部分。這樣，迪倫最初民歌手的角色就是對伍迪•加思裏的有意模仿，羅伯特•齊默爾曼(Robert Zimmermann)給自己重新起名叫鮑勃•迪倫的時候，就清楚地表現出這一點。"與此相似的是，米克•賈格爾前後一致得多的面貌得之于黑人民歌傳統，或許，更直接地得之于羅伯特•約翰遜(Robert Johnson)--當然不是約翰遜這個真人，而是據說已與魔鬼簽約的傳奇中的羅伯特•約翰遜。
無論把搖滾歌手稱作什麽，無論如何強調其建構，我們總離不開真實性問題。明乎此，便不難看出70年代的創作歌手(如詹姆斯•泰勒或者喬尼•米切爾)在聲稱他們要脫離正宗的搖滾而走向自我表現的時候，其所代表的經常明確表達的立場錯誤之所在。事實上，大多數成功的搖滾歌星始終是以"真正的人"推出的。我們對真正的人的埃爾維斯•麥卡特尼，甚至是真正的人的"門基"演唱組所擁有的虛幻認識，是由諸如歌迷雜誌採訪這類膚淺的媒介或者泡泡糖糖紙背後的事實造成的，但也暗含於埃爾維斯錄製他人歌曲時堅持採用自己的風格這一做法；同時，也明白無誤地存在于創作歌手身上。藝術真實性的出現，把搖滾與"叮呼巷"風格(Tin-Pan-A11ey-Style)的流行音樂區別開來，後者並不想隱藏自己的技巧，從而成功地表現了被建構性。搖滾樂隱藏自己的被建構性。
像斯普林斯汀和迪倫這樣的演奏者時常被人拿來與大衛•波埃及其他人相對照，後者將搖滾樂看作一套手法，而非真實的自我表現。西蒙。弗裏思認爲，斯普林斯汀是"搖滾樂自然主義者"，其音樂旨在自我表現。在別處，弗裏思較爲詳細地展示了斯普林斯汀建構真實性的途徑，以及斯氏在自己的職業生涯中扮演與他實際生活不同的角色的辦法。"但我不清楚，波埃和別的歌手強調其角色的虛構性怎麽沒有提出要達到真實性的目標。真實性並不因爲演唱沒被理解爲自我表現就可以被據棄。波埃扮演的不同角色令人注意到他演唱或者他扮演那些角色的事實，但是，它們並未減弱，事實上也許是增強了，角色背後有一個真實的波埃這一感覺。布萊思•費裏的不真誠，他的表演那明顯的做作，給他下了定義，正如迪倫公開宣揚的真誠一樣。事實上，歌手自認爲自然表達也好，符合傳統的表達也好，他們均是建構物(constructs)，但是聲稱符合傳統並不能免去人們對真實性的期待。挖掘傳統的歌手會聲稱他更真實，他自認爲原因就在於他挖掘的傳統。
把搖滾歌手作爲搖滾的原初文本來看待，並非要參考歌手、歌詞作者或者音樂家的意圖來使搖滾的意義固定下來，一成不變。相反，是要說，搖滾得以體現其中的各種內涵和媒體對歌手的製作推出均作出了貢獻。一張唱片，一盒錄影，或一部電影，也許僅依賴於其中的一部分，但演唱組最後卻是這些媒體共同合作下的産物。然而，即使是這個文本也不能獲得簡單的重要性或中心的地位。因爲儘管一個演唱組的觀衆無疑對演唱起到作用，但我們也要考慮根據不同的演出給他們的定位，以及演唱組演奏搖滾樂的一般方式。把搖滾歌手視爲文本是處理我們精神需求的一個不易把握的物件時所採取的一個有用策略。我們應謹慎從事，別以爲自己已經完全掌握了這個物件。
在這條原則上，還必須再加上一條，即我們認爲搖滾是一種文化活動，這並非說對這一現象就有了一個全面而透徹的理解。我們應抵制誘惑，別把一個有用的分析工具具體化並藉此使它成爲獨立存在於那裏的一個具體而又統一的東西。搖滾即使被看作文化活動，它仍是一組相互聯繫、又常常相互矛盾的産品、活動、風格和形式。
爵士樂(Jazz)/藍調音樂(Blue)/Rap音樂/搖滾音樂(Rock)/其他音樂類型
爵士樂可以說是西洋音樂中的長輩了，因為她從20年代就開始流行，而且也造就了許多爵士名樂手，其實，爵士樂並不算完全的流行音樂，他還包括了一些樂器演奏的成分在內，像是薩克斯風、小喇叭或鋼琴，而音樂則是屬於多變且浪漫，到現在爵士月都還十分流行，有許多的死衷者，他們認為現今的古典音樂太過粗俗，於是選擇了優雅的爵士樂.爵士樂一直給人比較有學問的感覺，原因大概就在此吧!
其實爵士樂的發展，也是分為很多階段的，從早期的爵士樂，到所謂的Bop樂風，都風靡一時.爵士樂壇的十大樂手：
Louis Armstrong路易士.阿姆斯壯
Billie Holiday比利.哈勒黛
Art Blakey亞特.布萊基
Thelonious Monk 塞隆尼斯.孟克
John Coltrane約翰.柯川 Duke Ellington艾靈頓公爵
Charlie Parker 查理.派克
Charles Mingus 查爾斯.明格斯
Miles Davis邁爾士
Ornette Coleman歐納特.柯曼戴維斯
以上十大爵士樂手你認識幾個呢?如果一個都不認識，那麼你得試著去接觸他唷!
接著就從早期的爵士樂開始介紹爵士樂的發展：
早期的爵士樂Early Jazz 始於20~30年代，特徵：經常做集體的即興表演，常以鋼琴演奏初箇中爵士樂風貌，以左手一拍子彈奏低音和絃，而已右手彈奏快而豐富的曲調. 代表樂手：Louis Armstrong，Sidney Bechet，King Oliver，Kid Ory，Scott Jopin，Jelly Roll Marton等.
大樂隊式爵士樂和搖擺樂Big Band & Swing 流行於30年代，樂手多與樂團或大樂隊合作，注重於表現音樂的旋律性，強調音樂讓人想搖擺的感覺和展現個人風采. 代表樂手：Benny Goodman，Duke Ellington，Count Basie，Billie Holiday，Dinah Washington，Ella Fitzgerald等
比咆勃Bebop 誕生於40年代，被認為是爵士樂的濫觴.強調演奏的技巧和複雜的和音，這類音樂通常不適合人聲演唱，多變的伴奏使原來的樂手有更多伴奏樂器的選擇. 代表樂手：Charlie Parker，Dizzy Gillespie，Lester Young，Coleman Hawkins，Roy Eldridge，Carlie Christian，Jimmy Blanton，Jo Jones等
酷爵士樂Cool Jazz 與比咆勃音樂做對比，聽起來較輕鬆，，多依賴管樂做演奏，與拉丁美洲所傳進的音樂合稱拉丁爵士樂 代表樂手：Stan Getz，Gerry Mulligan，Chet Baker等
重咆勃Hard Bop 50年代發展，是比咆勃的延伸，也是酷爵士樂的反動，一方面延續了比咆勃的節奏性，一方面又加入了藍調與福音歌曲，聽起來較柔和，但技巧也非常高. 代表樂手：Art Blakey，The Jazz Messengers，Clifford Brown，Stanely Turrentine等
後咆勃Post Bop 50年代~60年代，使爵士樂的全勝時期，此時期有許多頂尖的爵士樂手，此時期繼續承接比咆勃的樂風，但卻融入了許多不同的元素在內，使爵士樂變得豐富許多 代表樂手：Miles Davis，Gil Evans，John Coltrane，Charles Mingus<Thelonious Monk，Bill Evans，Wes Montgomery，Woody Herman，Stan Kenton等
自由派和前衛派爵士樂Free Jazz&the Avant Garde 50~60年代盛行，音樂多為實驗性質，不是將傳統類型，合音，旋律和節奏極盡延伸就是所幸不予理會. 代表樂手：Ornette Coleman，Don Cherry.Sun Ra，等
融合樂Fusion 60年代晚期，音樂加入了電子音樂，搖滾樂，放克樂，將爵士樂更加通俗化，爵士樂也逐漸擠進流行音樂的行列裡， 代表樂手：Miles Davis，John Mclaughlin，Spyro Gyra，Chuck Mangione，Wayne Shorter，Joe ZawinulJeff Lorber Fusion等
後現代派爵士樂Post Modern Jazz 70~80年代，樂手們開始從20c.的古典音樂，非洲音樂和其他各國的音樂中旬照題材，將自由的爵士樂發揚光大，甚至揚棄了傳統的爵士音樂. 代表樂手：Don Murray，Charlie Haden，The World Saxphone Quarter，Art Ensemble of Chicago，Oregon等
今日德爵士樂The Present 又再度回到比咆勃或後咆勃的樂風，乃爵士音樂的"新古典主義"時期，且把與作曲理論，合音，節奏，曲式等相關思潮的新手法加入爵士樂裡.此外 ，此一十其中也迸出了許多新的樂派，像是M-Base等. 代表樂手：Wynton Marsalis，Ornette Coleman，David Murry，Joe Henderson，Dewey De Johnette等
說到藍調音樂，就不得不提起黑人.因為在19世紀前後，黑人被當作奴隸販賣，其中的不滿和苦悶也只有在農閒十才能偷偷地低吟，抑鬱地哭訴自己的不幸。所以藍調一直給人憂鬱的感覺，其實也是有它的背景的。
藍調是一種十分富節奏性質的音樂，通常是以慢慢的、規律性的拍子律動。它採用在樂理上稱為Suffle的拍子，以一些簡單而重複的句子組成音樂，和絃的進行上通常使用145級的七和絃來串聯全曲。而在歌手的吟唱與樂手的伴奏下，即時地把歌曲的憂鬱表現出來。最特別的是藍調的即興創作的魅力，常令人感到妙不可言!之後，除了原本憂鬱的藍調音樂外，更發展出了屬於節奏感的節奏藍調(R&B)，同樣受到很大的迴響!
藍調的發展可分為四個時期，以下是其整理：
早期40~50年代 代表歌手：B.B.King，Albert King，Muddy，Waters，John Lee，Hooker，Buddy Gay 這些都是黑人藍調的先驅者，雖然或許因為才剛初始所以技巧性略顯不足，但卻都各具特色。說真的，許多現今的藍調音樂都是出自於他們的筆下，後世的小輩可以從他們的音樂中學到不少技巧。而且所謂真正的“純藍調“也還得從他們的音樂中才能領略出來呢!
中期60~70年代 代表歌手：Johnny，Winter，Eric，Claption 此時期藍調音樂逐漸被白人所接受，甚至打進白人流行音樂的主流。藍調音樂在此時融入了許多搖滾音樂的元素，所演奏的音樂通常較快速，且技巧性高，有時更給人煩躁的感覺，令人覺得頭愈聽愈疼。從此以後，藍調的風格不再單純，而多了許多不同的成分，對其評價也逐漸呈現兩極化。
晚期80~90年代 代表歌手：Stevie Ray，Vaughan，Gary Moore，Juff Healey 此時起的藍調音樂歌手承襲了前人所留下的高技巧，將藍調賦予更多的變化，使它更多元。除了使用現代音樂類型的成分，無論是錄音品質或是音效都比過去的藍調更講究了。但也因此，藍調音樂的發展似乎產生了偏轉，花俏的內容常令人有複雜而犯大眾化的感覺，而與原本憂鬱的藍調背道而馳。
近代的節奏藍調 代表歌手：Toni Braxton，Whitney Houston，TLC，Jennifer Lopez 節奏藍調又稱為R&B，它在40年代時是一種快速的藍調音樂，演唱者必須要有高度的節奏感，雖然不一定要有美妙的歌聲，但已能帶動全場氣氛為最主要.它集合了藍調曲式和即興重複的節奏 ，更適合於舞蹈
RAP音樂主要來自美國，是由Hip-Hop音樂所發展出來的一種音樂模式.Hip-Hop是在十六年前開始於美國，日後流傳到全世界的一種音樂.在結合了美國的黑人音樂，語言，舞蹈，穿著打扮等風格於一爐，變成了今日不斷創新的Rap音樂風格.
史上第一張Rap專輯是1979年在美國紐澤西州的一個小錄音是完成的，專輯名稱叫做"Rapper's Delight"，就這樣把Rap音樂介紹出來.同時在1980年左右，紐約黑人區的Disco已有許多唱Rap的DJ在表演，他們開始精研唱片的技巧，帶領顧客們進入有趣多變的Hip-Hop世界.
Rap音樂是以一段固定的旋律，節奏，配上Keyboard，刮唱片和快的聽不太懂的RAP所組成.如今Rap音樂已被許多樂迷所接受，就連許多排行榜及獎項都有Rap音樂的份.而Rap的團體也逐漸分支：有講籃球的樂團 ，有反抗社會的樂團，有帶有種族主義的樂團，有政治化的樂團，也有由地方幫派組成，話題圍繞在槍械，毒品，暴力和求生存的樂團.但無論如何，這些不同的Rap形式，都充分表現出美國黑人的心聲及不滿 ，而有話想說，又有才華的年輕人，也能在不同形式的Rap當中，找到自己的天空.
由於Rap音樂的不斷分支，如今的Rap音樂也分有許多不同的類型如下：
Seattle(西雅圖) 特色：節奏簡單，快速，非常適合跳舞. 代表藝人：Criminal Nation，Sir Mix-A-Low
Oakland(奧克蘭) 特色：帶有一種清新，抒情詩的風格，略顯的下流 ，慵懶，柔軟的感覺. 代表藝人：Souls of Mischief，Saffer Del，Too Short，Ant Banks，Ea-Ski，CMT，Dru Down
Sanfrancisco(洛杉磯) 特色：善於利用現場鼓聲特效，歌聲粗俗且慵懶，描寫社會的黑暗面. 代表藝人：Dispossable Heroes，Midniht Voices，Consolidated，JT Tha Bigga Figga and Rapping 4-Tay
Vallejo( 特色：戴著Funk風味把美國東海岸的節奏風格和西海岸的俚語以及他中板又軟弱的Bean mix合在一起 代表藝人：N2 Deep，Funky Aztecs
Long Beach 特色：音樂製做相當精良，混合許多音效，也非常有旋律且節奏感也頗重，強調真正的說唱舞曲.樂曲中說唱並重，並帶有一點Jazz風格 代表藝人：Dr.Dre，Snoopy Doggy Dogg，WarrenG ，Domino
Compton 特色：富旋律性，描寫黑暗的風格 代表藝人：N.W.A，Eazy Eand，King Tee，DJ QUIK，Mc. Eiht，Clloio
其他LA地方 特色：這兒的樂團總是標榜著自己的地盤特色，說實在的並無什麼特殊風格. 代表藝人：Ice Cube，South Central Cartel，Pomonas Above the Law，Watt's O.F.T.B，Kid Frost，Rapper-Ice T，Rapper House of Pain，Cypress Hill，Funkdoobiset
Houston(休士頓) 以殘酷的情節描寫人們為了金錢利益互相殘害的事實，歌曲動聽，旋律比較複雜，影響了很多後來的樂風. 代表藝人：The Geto Boys，Bushwick Bill，Scarface
Chicago(芝加哥) 歌曲挑情，貸給人們激情的浪漫. 代表藝人：R.Kelly，Da.Brat
Cleveland 以福音合唱方式和讀一無二的快嘴配合旋律的押運，聽起來就好像在教堂演唱.有時Rap速度之快甚至連外國人都聽不懂.他們的音樂風格詭異，多圍繞在槍械，毒品，和金錢上. 代表藝人：Bone Thugs N Harmony，Easy Z
Atlanta(亞特蘭大) 成員年輕，已非洲的原始風格，回歸到自然的Rap，聽起來像是民謠專輯. 代表藝人：Another Bad Creation，TLC，Kriss Kross，Arrested Development
搖滾音樂可以說是在市場風靡最久且最具代表性的音樂了.其實細分起來，搖滾音樂包含有許多不同的類型，像是重金屬搖滾 ，龐克搖滾，前衛搖滾...等.每一種音樂都有它不同的背景，現在就為您一一介紹：
Hard Rock(硬式搖滾)
在60年代初期，硬式搖滾並不屬於商業化的音樂，如Crcam，Yardbirds，AC/DC，The Who等，當時與其他音樂比較起來，硬式搖滾聽起來較有爆發力，也比較重視音樂本身的技巧.但所做初的音樂不是很大眾化.硬式搖滾主要融合了藍調，搖滾，和當時的流行音樂. Heavy Metal(重金屬搖滾)
重金屬音樂主要在表現樂手本身的音樂技巧，編曲總是特別的長.此類音樂重視音樂本身的創作，所以整張專輯通常不只是一首主打歌.主要藝人包括有Led Zeppelin，Deep Purple，Black Sabbat等
Grunge Rock(非主流搖滾)
非主流搖滾的音樂總是散發出青春的活力，再加上被扭曲的吉他演奏，吸引了不少的年輕人.而這種樂風也啟發了後來punk的熱潮，期音樂表現也影響到一些90年代的超級搖滾樂團.非主流搖滾的代表有;Vilvet Underground，Iggy Pop，MC5，The Stooges等. Progressive Rock(前衛搖滾)
前衛搖滾在60年代到70年代就開始發展.它是屬於試驗性質的音樂.編曲較複雜，樂曲也較長.另一個特色就是他喜好用許多先進的電子樂器所做出來的特效.主要藝人有 ：King Crimson，Rush，Yes，Eloy等.
Psychedelity(嗑藥搖滾)
60年末期到70年代初期流行了一振嗑藥風，同時音樂也跟著掀起一陣子的迷幻風潮，此時期的音樂有濃濃的宗教色彩，音樂創作也特別注重在精神和性方面.此時的樂團喜歡用自己獨特令類的怪名稱當作團名.他們希望使人們相信他們的人生哲學.代表樂團有 ：Pink Floyd，T2，Van Der Graaf，Generator，The Electric Toilet，Syd Barret Punk(龐克搖滾)
70年代末期在英國出現了一種充滿了當時年輕人的叛逆文化，廣受當時的年輕人的歡迎.但說實在的，當時的龐克音樂實在只有暴力，憤怒，沒什麼深度，而且每一首歌都非常短 ，也十分簡單.但，旁可搖滾也可說是許多音樂的先驅，藥是沒有它，可能也沒有Hardcore，Thrash，Goth等曲風了.代表樂團有：The Clash，Sex Pistols，The Ramones.
Hardcore(極端龐克)
這種龐克可以說是極端的搖滾樂，主唱一勁爆的嗓音與強勁的節奏，再加上80年代的金屬音樂風，讓Hardcore受到大家的接受與喜愛.主要的樂團有;Dead Kennedys，The Hard One，D.O.A，Korn等. Thrash(鞭擊金屬)
這種音樂是在旁可音樂之後演變成包含更勁爆編曲再加上讓人亢奮的吉他Solo與重複的強烈編輯金屬的主要架構.代表樂團有Anthrax，Testament.
Speed Metal(疾速金屬)
Speed Metal可以算是在鞭擊金屬雨衣些注重吉他搖滾之間的音樂風格，雖然他本身的音樂並不像Thrash一樣極端，但歌曲經常會利用2個主音吉他手彈奏一段很快的Solo，經常令人陶醉.主要的樂團有：Cacophony，Racer X，Rage. Death Metal(死金屬搖滾)
這種音樂是比鞭擊金屬還要極端的音樂，節奏快速，但歌詞含渾，聽起來好像含著水在唱歌.死金屬的音樂特色在其音樂意識型態上，例如對於死亡的崇拜，強暴，死屍的變態的主題.主要的樂團有 ：Six Feet Under...等.
其他音樂類型的介紹
Alternative（非主流）
1、Alternative Country 非主流鄉村音樂：非主流鄉村音樂，由鄉村音樂演變而來，主要代表人物 Alanis Morissette 。
2、Alternative General 非主流：就是非主流啦，你說不好Smashing Pumpkins是什麼風格吧？有點工業，有點古典，有點搖滾，現在又有點電子，就是這種你不知道是什麼風格的東東，全算成非主流吧。
3、Brit Pop 英國流行：英國流行，音樂風格清新流暢，節奏輕盈，旋律悅耳，可以看作是延續Beatles 前期曲風的當代英國搖滾樂；代表人物：Oasis，Blur；中國：清醒樂隊
4、Experimental/Post Rock 實驗搖滾：實驗搖滾，嘗試把各種效果加在在一起的東西，但有時候就不是什麼東西了
5、Goth 哥特：哥特（神秘而陰暗的詭異音樂），後朋客音樂向神秘情調發展而產生的一種音樂風格；代表人物：Nick Cave，Bauhaus，Peter Mophy；中國：做夢樂隊（竇唯）
6、Grunge 垃圾搖滾：垃圾搖滾，post punk風格在美國發展出的主流分支，以西雅圖為發源地，是非主流向主流演變的最典型實例，音樂中多使用粗糙的吉他噪音效果，結構上多使用由慢節奏到爆發出的快節奏的方式，後期向新浪潮風格靠近；代表人物：Nirvana，Pearl Jam；中國：周韌，許巍
7、Industrial 工業音樂：工業音樂，音樂從早期的試驗音樂發展而成，無旋律，無節奏，使用大量音效和噪音，刺耳
8、New Wave 新浪潮：新浪潮，post punk向明快風格發展的一個分支，音樂顧名思義，清新並富有旋律性，多使用當時先進的電子合成器；代表樂隊：Talking Head
9、Punk 朋客：朋克，由無所事事的中產階級所創造的無賴式的音樂，音樂通常會表現出破壞性的威力，音樂缺少文化性，但是充滿力量和快樂，很容易為青年人接受，雖然這種音樂出現在二十世紀六、七十年代，但其作用直到二十一世紀仍在持續；代表人物：Sex Pistls，Clash；中國：腦濁
10、Ska：來自牙買加得快節奏沙灘舞曲，產生年代雖早，但繼而就進化成了raggae 風格，直到後來與 punk 風格相融合，才使他成為了一種同時具有爆發力和歡樂情緒的音樂，容易被人接受，也得到非常多的聽眾的承認；音樂多採用吉他的短切音彈奏，舞曲式的跳躍感很強；代表樂隊：Suicide Machine；中國：反光鏡
11、Post punk 後朋客：後朋克，二十世紀70年代末80年代初產生自英國的一種音樂風格，與朋克風格並無直接的傳承關係，但是音樂精神上秉承朋克破壞和無畏的特點，成為日後很多非主流音樂風格的起源，音樂較之朋克樂更具有旋律性和壓迫力；代表人物：Joy Division，Cure
Easy Listening
1、Musicals/Broadway：音樂劇
2、New Age：新時代音樂，試圖採用交響樂式的大樂隊組合加上流行音樂和古典音樂的樂器營造宏偉的氣勢以取悅各個層面上的聽眾；代表人物：陳美，雅尼
Electronic 電子音樂
1、Ambient 環境音樂：環境音樂，多採用音效和採樣，製作表達創作者心情的氣氛音樂，旋律和節奏在音樂中顯得並不重要，代表人物：Brian Eno
2、Breakbeat/Breaks 碎拍：碎拍，突破舞曲節拍速度極限，狂飆至180拍/分鐘的令人瘋狂的電子舞曲
3、Dance 舞曲：舞曲
4、Drum N'Bass：以鼓和貝斯為主的電子舞曲，音樂常常由於無節制的 loop 搞的氣氛密幻，音色走低頻震撼路線
5、Electronica 電子：電子
6、Experimental 實驗電子：實驗電子，既然是試驗就不能明白他們到底要搞些什麼，恐怕是先鋒藝術吧；代表人物：大有良英
7、House 豪室：豪室，80年代的電子舞曲，合成器在落後科技下製作出的音樂，但是成為現代電子舞曲的起源，現在聽來很有懷舊的復古情緒
8、Industrial Electronic 工業電子：工業電子
9、Techno：90年代流行的電子舞曲，由於 DJ 們找到了電子合成器的新時代使用方法，由此創造出的 140 拍/分鐘的舞曲音樂，優美但令人眩暈的旋律和清晰的節奏可以為癮君子提供美好音樂環境
10、Trance 迷幻電子：迷幻電子，走高頻音色的一支迷幻電子舞曲風格，由 techno 直接進化而來，迷幻感更強，更直接
Hip Hop / Rap 說唱
1、Alternative 另類說唱：另類說唱，由Hip-Hop的風格中衍生出來，但其內容意味反叛，不單表現在歌詞的內容上，同時也表現在另類說唱樂者在創作過程中對傳統說唱樂的排斥與改造上。代表：De La Soul
2、East Coast 東海岸說唱：東海岸說唱，言辭激烈、犀利，表演刺激、狂放，代表人物：Run-D.M.C.，Public Enemy
3、Hip Hop：很早發源于美國的黑人流行節奏舞曲，節奏快，當今的 Hip- Hop融入了大量電子舞曲的形式，成為當今流行音樂中的主流勢力；代表人物：Back Street Boys
4、Old School 老式說唱：老式說唱，指那些早在七十年代末，八十年代初的說唱樂歌手們的曲風。在此一時期"舊式說唱樂"的風格很明顯，樂曲總是伴有單調而直白的鼓點，說唱樂手也很少在樂曲中間斷。代表人物：Beastie Boys
5、Rap 說唱：說唱，源自早期美國舞廳中的 DJ 現場表演，節奏感強，逐漸成為一種以黑人為主的舞曲形式，分化出大量支派，是美國的主流音樂形式
6、West Coast 西海岸說唱：西海岸說唱，內容多是反映歌者對經濟繁榮時期美好生活的癡心嚮往。它承繼著大部分傳統唱樂的風格。代表人物：Ice Cube
7、Hardcore Rap 硬核說唱：硬核說唱，Hip-Hop之一種，說唱中一種更具有力量感的音樂形式，打破以往說唱及舞曲的形式，具有更強的破壞力和煽動力，其背景總是伴以不斷弱化的鼓點，而歌詞也大都反映與社會背道而馳或與一般人相異的思維方式。代表人物：N.W.A.，DMX
Metal 金屬
1、Heavy Metal 重金屬：重金屬，金屬風格的始祖，一切金屬風格音樂形式的根本，吉他的失真音色，solo-主歌-solo-副歌類的結構，力量感、煽動力，由此很早就奠定了金屬音樂主流的地位；代表樂隊：Led Zeppelin
2、Black Metal 黑金屬：黑金屬，格調陰暗，樂隊大多有宗教信仰，不乏邪教教徒，音樂內涵和死亡金屬，但相比之下還算有文化；從形式上分析，音樂頻率較高，吉他很少使用切音音色，嗓音也可以用刺耳來形容。
3、Dark Ambient/Noise 黑暗氛圍：黑暗氛圍，音樂沒有什麼旋律，用音效來製造令人壓抑的氣氛
4、Death Metal 死亡金屬：死亡金屬，一種格調更加陰暗，大量使用吉他切音音色和咆哮式的低沉嗓音，音樂主題以死亡為主。
5、Doom/Stoner Metal：早期死亡金屬的一支，音樂節奏較慢，吉他音色中切音較多，主要為營造一種陰暗的情調，現在已經比較少見了
6、Gothic Metal 哥特金屬：哥特金屬，節奏同樣較慢，是哥特風格和金屬風格的融合，場面宏大，比Doom Metal風格更加細緻，氣氛也更陰暗
7、Grindcore Hardcore：向金屬風格的進化，死亡金屬前身，粗糙，無旋律
8、Power Metal：一種比較追求力量感的金屬風格，對宏大的氣氛並無太多要求，但一定要有煽動力，往往運用 rap 音樂的唱法，但唱詞往往並不合轍，代表人物：Rage Against the Machine
9、Rapcore：金屬音樂的伴奏加上 rap 的演唱，當然演唱起來更狂野更粗暴，是一種融合的風格；代表人物：Limp Bizikit
10、Thrash/Speed Metal 速度金屬：速度金屬，金屬風格中得最主流，善於以高速的吉他技巧和高頻失真的吉他音色煽動聽眾，音樂氣氛火爆，當然還少不了那高亢的嗓音；代表人物：Metallica，Mega Death
11、Spiritual Metal：這種音樂比較強調一種古典的氣質，場面宏偉，音樂華麗，這種風格的多數作品還是旨在營造神秘、華麗、唯美的音樂氣氛
Urban/R&B
1、Funk：瘋克，一種黑人音樂，音樂性和節奏性都很強，多運用不合協和絃和音階，很有特色。代表人物：Prince
2、Soul：靈歌，一種黑女人哼唱的憂鬱小調
World/Folk
1、Folk 民謠：民謠，在原音音樂中運用來自各地的民間歌曲元素都可以稱作folk，曲調上到樂器上都算，但是不包括電子音樂中的民間音樂採樣；代表人物：The Pogues，
2、Reggae 雷鬼：雷鬼，一種來自牙買加的節奏感非常強的沙灘舞曲，與其前身 ska相比，節奏相對要慢一些，特點在於吉他的切音的使用，代表人物：Bob Marley，The Police
3、World Fusion：融合世界音樂，使用對民間音樂性質的素材的採樣，融合在其音樂中的音樂風格，代表人物：Enigima
人們對搖滾樂或"流行"音樂作出思考的時候，所考慮的不僅僅是包裝精美的唱片專輯、演唱、演唱組或者歌手形象。與電視、電影或戲劇表演不同(戲劇表演是否如此，可再作探討)，這種音樂的諸種形式必不可少地包括一系列交叉活動，卻沒有一種明確的原初話語或文本。如果把留聲機唱片視作搖滾樂的"文本"，那是輕視或者根本未考慮許多其他活動(如家庭演唱會、酒館的或俱樂部樂隊的現場演奏)，這些活動從來就不通過灌唱片來複製；同時，那也就忽視了搖滾樂的音樂形式是通過留聲機唱片以外的許多各不相同的技術來獲得傳播的途徑；這一傳播是主要的，其途徑包括"現場"演唱本身、錄影帶、電視和電影音帶唱片，以及目前的"促銷"錄影。
搖滾不易把握。我們難以將它納人我們固有的文化製品的模式來解釋它。例如，搖滾作爲一種音樂類型，尚無一個爲多數評論家所能接受的定義。把某種音樂稱爲搖滾，是將它與其他音樂形式，如爵士樂、古典音樂，或鄉村音樂區別開來，卻沒有對它下明確的定義。更重要的是，就連具體的搖滾到底是什麽模樣尚不清楚，因爲無論是唱片，還是歌詞，抑或曲子，它們均不能被視作原初的東西。這個音樂類型沒有文本。或者，至少是沒有詩或小說所擁有的那種文本；也即是說，搖滾的文本比後結構主義提出的一般文本要難下定義得多。搖滾的歌詞跟其他語言一樣飄忽不定。事實上，作爲一種隨意性極強的活動，搖滾無法用其任何形式特徵或産品來標明身份。我們需要找到一種新方法，來考察搖滾業已具有的那種文化構成，因爲把搖滾叫作音樂是對它的其他因素的一種壓制或者忽視，而正是借助於這些因素，搖滾方得以明確表達。
多數人很可能仍認爲搖滾是一種音樂類型。對這一流行說法無需去作明確的界定，但有些評論家已作了嘗試，認爲搖滾是搖滾音樂史上的一個特定的歷史階段。這些評論家沿用"搖滾"（rock＆roll）的名稱來指稱20世紀50年代出現的具有節奏和黑人民歌、鄉村音樂和美國西部音樂相結合的特徵的音樂，藉此，他們認定這是一種原創的正宗的音樂形式。將60年代的主流音樂稱爲"搖滾樂"（rock），他們確定了另一階段，在這個過程中，把無疑是一種更次要而且已經沖淡或者變劣的種類與原創的區別開來。但是，除了把這些評論家的趣味寫進歷史，這種階段性分類是建立在50年代搖滾的一個整體觀的基礎上的，然而，這樣的整體卻又只是個指代不清的模糊概念。不僅前兩個類型的混合不能告訴我們什麽東西，而且，它也僅僅描述了50年代少數幾位知名的搖滾歌手，主要是埃爾維斯，而不是小理查德或者查克•貝瑞這樣的歌手。問題在於，搖滾一直是個大雜燴，60年代的音樂只代表素材更加多樣化。最主要的是，搖滾／搖滾樂這種所謂的階段化理論壓制了從50年代至今的活動的連續性。60年代及以後與搖滾樂有關的各類活動--電臺節目、音樂會、舞蹈、音樂節等--要是沒有搖滾的出現所代表的美國大衆文化中的與傳統的決裂，那些活動都是根本無法搞成的。伍德斯托克音樂節本身可以視作搖滾的佳例，因此，音樂節上演奏的所有曲目，儘管形式各不相同，一概被恰當地歸人搖滾。
但是，如果搖滾不是一種音樂類型，那麽，它又是什麽呢？我的答案是把搖滾視爲某個歷史階段一種特殊的文化活動。能這樣來描述的不僅是搖滾，爵士樂、古典音樂、鄉村音樂和音樂喜劇均可作如是觀，而錄音業的興起已經改變了它們。也許，古典音樂評論家仍堅持認爲錄音能讓人回想起現場的演出，但對於多數聽衆，錄音業已成爲古典音樂最普通的經驗。爵士樂和鄉村音樂錄成唱片後，就發生了比古典音樂大得多的變化，可在錄音前，這兩種音樂要比搖滾樂更多地植根於音樂。F．司各特•菲茨傑拉德給20世紀20年代冠以"爵士時代"時，大致可以肯定的是，他沒有把音樂"錄"在腦子裏，不過，後來他腦子裏想的不僅僅是音樂了。他把爵士樂理解成一種文化活動，就像"搖滾"一樣，"爵士樂"這一名稱將音樂、舞蹈和性聯繫在一起。爵士樂不僅指某種音樂形式，而且還包括演奏爵士樂的非法酒店以及其中的行爲舉止。但是，作爲20年代的一種文化活動，爵士樂到了30年代就大致消亡，在某種意義上，爵士樂作爲音樂也隨之而去。爵士樂作爲一種大衆媒體也逐步變得合乎西部音樂中的主要傳統。到30年代，由"管弦樂隊"或者大樂隊演奏爵士樂，他們採用的是事先寫好或"編排好"的曲目和任何一個在古典音樂方面訓練有素的音樂家都能理解的演奏原則。
因爲搖滾出現在50年代電聲媒介"爆炸"的情形裏，所以，它的軌迹就完全不同。像爵士樂一樣，搖滾是在民歌形式的基礎上發展起來的，但已完全不同於後者。搖滾沒有漸漸地被馴服、被同化，而是獲得了自己的生命；它不僅是年輕人的音樂，而且還是他們熱衷的一種生活方式，更重要的是，它是生動鮮活地表現出來的音樂。它之所以獲得發展，不是因爲其特殊的音樂性，而是因爲特殊的社會狀況與技術發展的結合。如上所述，50年代及以後的青年文化假如不是因爲青少年成爲一個重要市場，即是說，假如不是因爲他們手上有一大筆錢要花掉，那麽，它也就根本不可能興起。青少年因爲有這筆錢，又因爲越來越獨立於家庭，就開始把自己視爲一個群體。他們尋找樣板，藉以把自己也想像成那樣的人。媒體提供了這樣的樣板，包括把少年犯作爲"新聞"來報道，並由詹姆斯•迪安和馬龍•白蘭度主演這類角色。商家都巴不得推銷青少年來買那些把他們自己與他人區別開來的商品。搖滾唱片就是這樣的一種商品，此外，還有牛仔褲和摩托車手夾克。但搖滾把以下兩種身份結構合而爲一。明星們既是樣板又是被擁有和迷戀的物件：僅在1956年，埃爾維斯的隨身物品就賣了數百萬美元。除了更加物美價廉的唱片，電視和電影也參與了搖滾的傳播，其規模遠遠超過菲茨傑拉德時代的爵士樂。1955年至1986年間拍攝的搖滾電影達四百多部。
那麽，作爲一種文化活動，搖滾就不僅包括音樂，而且包括與它聯繫在一起的其他形式和行爲；它還包括演奏者和聽衆。但是，如果把通常的等級關係顛倒過來，而僅僅用主體來代替客體，那是錯誤的。勞倫斯•格羅斯伯格（Lawrence Grossberg）認爲："如果不認爲那些歌曲的實際構成和聲音不重要，那他就有必要提出申辯說，不能通過直接闡釋其實際意義和聲音來說明音樂的效果"，格羅斯伯格說這番話的時候，是承認客體的難以把握性的。他的解決方法是訴諸搖滾聽衆自身的理解（"他們作出反應的結構"），以便瞭解音樂的意義和功能。這一策略認爲，主體意識到客體並對它加以控制，而非由一個起決定作用的客體在主體身上産生效果。我把搖滾處理成一種話語活動，意在拒絕接受給予我們客體或主體之選擇的模式。搖滾樂是一種符號系統-一或許是多個這種系統的聚合--同時又是一種活動；它是符號學的一種形式，又是演奏者和聽衆共同參與的活動。從話語實踐這一視角，人們不會問起搖滾對聽衆産生的"效果"，也不會問聽衆在理解這種形式時採用的方式所産生的"效果"。這兩個問題假設了一種主體／客體二元對立，並傾向於賦予對立中的某一方以主導地位。只認爲搖滾樂會産生某些效果，這是把聽衆視爲純粹的客體，而另一方面，把注意力集中在各個聽衆的體驗、理解上，或者拿音樂來派的"用場"上，都是使他們完全脫離話語。沒有什麽話語具有機械的效果，但又沒有任何主體能脫離話語。認爲演奏人和聽衆在一起做搖滾，就避開了上述話語與主體相脫離的兩種情形。
作爲文化活動，搖滾帶來了更多的産品和活動。本文篇幅有限，甚至作個概括都不可能。我不準備作這樣的概括，而是想檢驗一下搖滾得以表現的幾個非音樂層面，尤其是演奏家本人--做搖滾同時又由搖滾造就的演奏者。
首先，必須承認，缺少原初文本，或是多種話語的結合，並非是搖滾樂的專利。正相反，在許多方面，它讓人想起"古典音樂"作爲一種世俗形式出現之前的音樂製作方式。譬如，音樂會始于最早用音樂家來爲演戲伴奏。甚至今天，搖滾樂基本上也不是把幾種符號系統或話語結合起來的惟一文化形式。在本文題辭的那段話中，艾倫•杜蘭特也許誇大了搖滾的獨特性。電影就是多種話語結合的佳例，即使具體的電影最後能算作原初文本。另一方面，音樂和其他表演藝術的文本原初性一直是值得懷疑的，而且，隨著錄音的出現更是如此；錄音在總譜和演奏的基礎上增加了第三個"文本"。
總的說來，古典音樂與總譜是最相統一的。這一音樂以一個可視符號系統和某個具體的作曲家的作品來表現。這一表現是作爲一個標準或本體的面貌出現的。據此，任何個別的演出就可以作出好／壞判斷，這一表現成爲評論和學術研究的一個固定物件。演出雖然有某種程度的變異，但從總體上看，演奏者被視爲在演奏作品甚至被視爲展示作曲家才華的一種媒介。這一態度反映在古典音樂演奏中所表現的非常傳統化的方式裏。音樂會不僅意味著在聽衆和演奏家之間建立的一種單一的空間關係，而且還指每組人的服飾和行爲，兩者都反映出對正在被表現的客體的尊重。音樂家們的技巧就是演出中最重要的變異。儘管這一特性要起到一個總的美學範疇的作用肯定是模糊的，但它暗含了對音樂的駕馭和一種獨特能力的表現，兩者都代表了演奏者與作曲家之間的一種能力。演奏能手必須駕馭音樂--控制它以便作出自己的詮釋--但他們也必須爲它所駕馭，不然，就要冒看起來沒能按總諾來演奏的風險。儘管個人演奏風格是必要的，但是，作曲家的"意圖"也必須由演奏者表現出來。
但並非所有按照通常理解屬於古典音樂的形式都是一樣的。也許，就我希望說明的觀點而言，最爲有趣的例子是歌劇。歌劇作爲多樣話語的形式，位於我們稱爲古典音樂構成的一極，另一極則是那些傾向於數位而演奏者隱沒的樂曲風格和演奏技巧。沒有哪種音樂類型有歌劇演唱這麽重視技巧。然而，在其他許多方面，歌劇背離了典型的古典音樂構成。
當然，搖滾作爲一種文化活動，在許多方面都有別於古典音樂，例如，它不重演奏技巧。儘管20世紀70年代初有些觀衆確實看重一些樂隊(如"奧爾曼兄弟"樂隊、"感恩而死"樂隊[the Grateful Dead]和各式各樣的"埃裏克•克萊普頓車輛"樂隊[Eric C1apton Vehicles])中吉他手的演奏，但這是搖滾樂歷史上的例外。在搖滾存在的大部分時間裏，它始終明確地反對技巧。即使在"重金屬"搖滾樂中，掌握吉他演奏也只是一個重要的因素，但演奏者的技巧並非關注的中心，甚至在"布魯斯"音樂中亦是如此，儘管在這裏有更爲充分的理由爲此作出辯護。與音樂會獨奏者不一樣，吉他演奏只是演出的一個方面。他們決非只是音樂家，或多或少也是演員，扮演著他們創造的角色。搖滾樂聽衆並不是來欣賞或者僅僅聽聽演奏的音樂，他們來，爲的是要參加到一個事件中去，並與其中的角色建立起某種聯繫。這就是搖滾樂聽衆一般都要跟著一起唱、叫喊、吹口哨、跺腳和拍手的原因，他們認爲和搖滾歌手一樣，他們也有權發出自己的聲音，讓人聽到。
然而，技巧之外，搖滾和歌劇倒有許多共同之處。這種說法乍聽起來，似乎讓人大感驚訝，尤其是因爲搖滾和歌劇在音樂方面似乎毫不相同。某些搖滾--像由"憂鬱•布魯斯"樂隊(Moody Blues)，或者人們直接提到的"艾莫森、雷克與帕爾莫"樂隊(Emerson，Lake and Palmer)製作的藝術搖滾樂，以及"何許人"樂隊或布魯斯•斯普林斯汀演奏的音樂--確實有著與歌劇一樣的音樂性，但那不是我比較的目的。相反，搖滾和歌劇的主要相似之處在於，它們都是常常被人與音樂聯繫起來的活動，但又並非是純粹的音樂：它們通過許多名目不同的符號系統來與聽衆交流，而音樂只是其中之一。搖滾和歌劇十分依賴歌詞，但也有敍事，還有服裝、舞臺佈景、表演以及其他戲劇表演內容。搖滾樂與歌劇之間存在的其他相似之處在於它們各自所扮演的文化角色：比如，它們在一定程度上都傾向於使自己的歌手成爲名星，這在古典音樂器樂方面是極其少見的。路西亞諾•帕瓦羅蒂擁有自己的一批狂熱的"發燒友"，他們會瘋狂地擠向舞臺，擁在那兒。這種情形我們在搖滾樂迷身上能夠看到，卻無法從身戴珠寶、腳蹬高跟鞋的中年婦女身上發現。在19世紀，歌劇是一種流行文化形式，能激發起巨大的熱情，産生忠實聽友，偶爾還會在演出時引發暴力事件；有時，歌劇還明顯地與激進政治相吻合，如同60年代的搖滾樂。我注意兩者之間的相似之處，目的並非是要通過一個高雅形式光輝的襯映來提高一種大衆形式的聲譽；而是換個說法，要比較一下兩種都是"不純的"形式的文化內容。人們可以說搖滾想"高攀"歌劇--《湯米》(Tommy)已經這樣做了，但同時也可以說，當代把歌劇搬上舞臺，也是希望能夠像搖滾樂那樣製成錄影。
但是，我想說的不僅是搖滾是一種不純的音樂形式，我還想說，它甚至主要就不是一種音樂形式。一個有力的證據就是搖滾樂評論根本就未能提出有關它的甚至是最基本的音樂學話語。取而代之的是，現在有一套關於其風格的大致而現成的分類，包括索爾搖滾樂(soul)、鄉村爵士樂、"朋克"搖滾樂和"重金屬"電子搖滾樂。總的說來，這些風格帶有很少被質疑的傳統意義。這些風格的確定，既有音樂又有音樂以外的特徵。談到音樂以外的特徵，我們不妨從歌詞開始。歌詞可被視作搖滾的決定性特徵(純粹的器樂演奏家，如"冒險"樂隊[the Ventures]，只是些不要歌詞的特例)。但是，儘管歌詞普遍存在，儘管在多數搖滾樂評論中它們確實似乎是得到了最多的注意，但歌詞並非是這個音樂類型的最主要的方面，這是早就廣爲接受的一條美學原則。像R．E。M．樂隊《呢喃細語》這樣的唱片受到好評，那是因爲大部分歌詞都聽不懂。社會學研究已經聲稱要證明許多聽衆對於搖滾樂歌詞通常是忽略不計的。搖滾歌詞起的也許主要是"音樂的"作用，與爵士樂中的襯詞唱法(Scat singing)相仿佛，也可能就像歌劇(舞臺演出或製成唱片)中的外語歌詞那樣。
在美國，歌劇幾乎一無例外地用多數聽衆聽不懂的語言來唱。而且，如果改用英語來唱，他們就會怨聲載道，說他們怎麽也不明白歌詞了。但無論是在歌劇中，還是在搖滾裏，歌詞都不僅僅是音樂的一種表達。在各自的情況裏，即使不能馬上明白它們的意義，它們也都對演出的意義作出貢獻。即使聽衆聽到男高音唱"西萊斯特•阿依達"(Celeste Aida)時不明白它的意思，歌劇《阿依達》(A2J")仍被理解成一部敍事作品。同樣，儘管大多數人在聽"自由歐洲電臺"這首歌時不知其義，但會慢慢明白R．E．M．樂隊的意思與所有其他搖滾樂隊和歌手均不一樣。
歌劇有一個可以清理出來的原初"文本"，即歌劇腳本和總譜，即使它包括口頭和音樂兩套"話語"。這一文本在演出中可由不同的演出公司作出詮釋，但是評論家可以對它作出詮釋而不用去考慮某一次具體的演唱。杜蘭特爲搖滾樂爭辯時，說它沒有"單一的原初話語或文本"，指出把唱片看作原初的"文本"等於"忽視了搖滾樂的音樂形式如何通過各不相同的技術媒體進行重要的傳播"，包括音樂會、電影和錄影。隨便通過這些媒體中的哪一種，歌劇都可以被複製，但它還是與作曲家和腳本作者所寫的東西保持一致。搖滾到了電影或錄影裏，就不僅僅是被複製，而是被重新表達。如果錄相呈現的譬如說是一部敍事作品，那它很少真是歌曲所表達的敍事。有"搖滾電影"，譬如可以拿美國國際電影的任何一部來看，其中音樂的表現遠不如青少年題材重要。《黑板叢林》(Blackboard Jungle)中就有一首搖滾歌曲，即比爾•哈利和"彗星"樂隊合作的《晝夜搖滾》(Rock aroundthe Clock)，但這部電影幫助人們對危險青年的文化概念下了定義，並使搖滾成爲這一定義的一部分。這一概念及說明它的態度和行爲，與任何音樂內容或産品一樣，爲把搖滾定義爲一種明顯的文化活動作出努力。
像電影、電視、錄相這樣的技術手段通常被認爲對搖滾歌手起一種次要的或者僅僅是配合的作用，就像唱片製作人一樣。格羅斯伯格認爲它們不過是音樂的"設備"。但是，搖滾之王("貓王")本人的演唱生涯使人們對這種看法産生了懷疑。人們通常認爲，埃爾維斯•普萊斯利在山姆•菲利普斯的錄音棚錄歌獻給母親的時候，就標誌著(如果不是生産)搖滾的開始。埃爾維斯在這次及日後爲菲利普斯的太陽唱片公司錄製的唱片中，把人們常拿來定義搖滾音樂的形式因素都融爲一體。這些唱片在當地大受歡迎，所以，美國無線台公司就跟他簽約，全國發行。但是，埃爾維斯是在電視上第一次與全國聽衆見的面。人們有充分理由認爲，和他的音樂的形式特徵一樣，這些演出的視覺方面對爲搖滾下定義有同樣重要的意義。
埃爾維斯在電視上最引人注目的是他演唱時的舞蹈動作和快速旋轉。他最初在多西爾兄弟電視節目裏露面就包括他的舞蹈，但是，也許因爲看節目的觀衆數量相對偏少，也可能是因爲拍他的舞蹈動作時是從上方進行的，所以，幾次露面都反響不大。但他首次在彌爾頓•伯利電視節目上出現的時候，他的動作更加狂放，而且持久，不僅在器樂中斷時他還在跳，而且在"獵狗"整個後半部分演出中他也在跳。結果，專業評論家和自封的衛道土立即作出嚴厲的反應。公衆的強烈抗議差點使NBC取消下一場已定好在史蒂夫•艾倫電視節目中的演出。電視網沒有取消節目，但他們採取了一個措施，來限制埃爾維斯。艾倫把他包裝了一下，給他裝了尾巴，讓他對著一隻活的矮腳長耳獵狗演唱"獵狗"。當年稍後，法院傳令，阻止他在弗羅裏達傑克遜維爾的舞臺上做任何不雅的扭動動作。l 957年初，埃爾維斯第三次在埃德•沙利文電視節目上演出時，沙利文堅持攝像機只能對著他的上半身拍。
埃爾維斯的舞姿何以引起這樣的抗議呢?在大衆文化史上，他是第一位把身體作爲性客體公開展示的男明星。儘管多數電影男明星無疑一直都是表現性魅力，但是，他們的身體可從未成爲注意的中心。魯道夫•瓦倫蒂諾(Rudolph Valentino)和詹姆斯•迪安是兩個例外，他們是埃爾維斯的前輩，他們的身體在某些電影片斷中作爲"被崇拜的物件"來展示，演員自己就成爲衆多影迷(多爲女性)狂熱崇拜的偶像。但是，電影敍事和剪輯將瓦倫蒂諾和迪安表現爲活躍的主體，通過他們的視角，觀衆仿佛體驗了故事中所發生的事情；埃爾維斯則不同，作爲歌手和舞蹈者，他更多的是觀衆凝視注目的被動物件。當代評論家清楚地指出，讓人感到震驚的是他公開的性表露。他們暗示，他們意識到這也是對性道德規範的一種違反。埃爾維斯的演出被人用通常描述脫衣舞的術語來討論："猛烈顛動、扭擺不停"。等到他在伯利電視節目裏演出時，人家已經給他起了個綽號：骨盆，這當然暗含了它沒有明說的東西。但爲了把埃爾維斯和後來的搖滾男明星區別開來，我堅持認爲，在埃爾維斯的舞蹈動作裏，沒有陽物祟拜。他的服裝總是包括一件夾克，因而不是展示而且遮掩了陽物。他的動作模仿性交，他的演出應當理解成"性"暴露。這樣，他在演出中把"性"清楚地表達出來，而搖滾這個名稱所描述的就是"性"。但是，提請人們注意他的性感，就是說，把自己作爲性刺激和性興奮的物件呈現出來，他就不僅違反了傳統道德觀念，更糟的是犯了男性性展露的禁忌。犯這個禁，埃爾維斯就像多數女性而不像多數男性，他變得性物件化了。正如弗里加•郝格(Frigga HaMg)及其合作者所指出的那樣，"在父系社會裏，作爲婦女社會化的結果，她們被性物件化已屬家常便飯。婦女身體各部分--頭髮、大腿、乳房--都成爲女性物件化的部位，婦女時裝總是關注這些特徵，露出來供男人盯視，這樣，婦女就成了性物件的標誌"。後期搖滾歌手所表現出的異性模仿欲可視爲他們戴上了被性物件化的性別的標誌。
埃爾維斯的電視和短紀錄片展示了他被性物件化的另一個層面。據說，他在成名之前，到南方小俱樂部和學校演出，每當女孩子們尖叫、鼓掌時，他必做"扭臀甩胯"的動作。從這些早期演出的照片上看，少女少婦在看埃爾維斯的演唱時，已經進入各種各樣的狂喜狀態。埃爾維斯上全國主要電視節目時，觀衆成爲節目的一部分。伯利演出中，拍攝人員對拍攝的埃爾維斯的鏡頭和觀衆的鏡頭作了剪輯，觀衆的鏡頭並非是一大片模模糊糊、難以辨認的臉，而是特寫鏡頭。從這些臉上可以看出演唱者在觀衆身上引發的激動。但這一剪輯也突出了作爲觀衆注目物件的埃爾維斯。不僅是現場一批觀衆(每位觀衆都是一個成員)在看他，收看電視和短紀錄片的觀衆也感覺到埃爾維斯成了無數人(幾乎清一色是女性)目不轉睛地看著的物件，這些入有的在尖叫，有的已昏厥過去，還有的以別的方式發狂。埃爾維斯的這次演出在形式上等同於這一鏡頭／逆鏡頭編輯，這種編輯有條不紊地展示了敍事電影中的凝視。它成爲搖滾樂演出的標準版，60年代，英國搖滾樂"殺"過來的時候，又被多次重復。這些照片展示給其他歌迷，讓他們知道在搖滾樂演出中如何作出合適的反應，而同時又創造了表現男性性征的一個新方法。
50年代，搖滾上電視演出也許一直是多資料滾樂迷親眼目睹這一活動的渠道。然而，60年代，搖滾音樂會成了電視的對手。現代搖滾音樂會70年代在弗蘭克。巴薩羅那(Frank Barsalona)這位策劃的影響下，成爲"保留節目"；巴薩羅那爲了確保有觀衆，答應"'保證'能在外度過一個良宵"。音樂會作爲一種形式，早就被古典音樂和搖滾的前身流行樂標準化，但搖滾音樂會演出尚有一個非音樂會傳統，即俱樂部爵士樂和節奏布魯斯音樂家的演出。在這些音樂類型中，觀衆扮演明顯不同的角色。在(非歌劇的)古典音樂會上，觀衆是被動的，注意力集中在舞臺上；而在俱樂部，音樂家也許是也許不是觀衆的關注焦點。音樂家中心地位的消解增強了觀衆的參與程度。不僅俱樂部老主顧肯定要跳舞，在演出過程中，一般還要吃喝、聊天。搖滾音樂會老主顧融合了音樂會和俱樂部的行爲舉止，同時，也加入了自上舞臺的人，所以，演唱組也就像與其聯繫在一起的任何符號或製品一樣，被製作了。
我們來考察一下"門基"演唱組(the Monkees)的情況。這是娛樂業造就出來以表現情景喜劇題材的一個演唱組。該演唱組在60年代灌制了許多成功的單曲唱片，80年代後期，人們又一次對他們的唱片發生興趣。問題的關鍵不僅在於有可能憑空組建一支搖滾樂隊然後像肥皂或汽車那樣賣出去，而且在於娛樂業這樣做幾乎未遇上什麽反對意見。"門基"演唱組與娛樂業試圖推銷出去的大多數其他新搖滾樂隊的差別根本就沒有那麽大，除了他們有自己的電視節目，還有一個銷售機會，這是其他新樂隊所無法享有的。但是，他們唱片的被接受的情況表明，觀衆並沒有因爲知道了樂隊是由扮演音樂家的演員組成而有什麽妨礙，也許觀衆已經把搖滾明星視爲某類演員。然而，"門基"演唱組得以成功，完全是因爲替他們製造了一種真實感，似非而是的是，不僅通過其電視節目所賦予他們的虛擬生活，而且也借助于慣常的做法：把有關採訪和傳記材料在樂迷雜誌和其他媒體上刊登出來。於是，他們漸漸地好像就是在扮演自己。
如果"演唱組"這一術語聽上去似乎有點彆扭，雖然並不愚蠢，那完全是搖滾假定誰像誰就是它的明星的緣故。我們並不認爲約翰•列依或者鮑勃•迪倫在扮演一個什麽角色。我們也不認爲古典音樂獨奏家在扮演角色，可我們從他的演出中也聽不出多少關於他的個性。也許，我們從歌劇明星所扮演的所有角色中都能感覺到他的個性特徵，但像米克•賈格爾這樣一名搖滾樂歌手即使是在一部故事片中扮演另一個角色，他演的總還是米克•賈格爾。然而，"列依"、"迪倫"和"賈格爾"都不是存在於任何歌劇腳本或電影劇本中的角色，這有別於歌劇或電影中的情形。搖滾歌星塑造另一角色時，並不去改變自己或賦予角色以生命；他們一路唱下去的時候，在演繹自己。
不過，這些角色並不像他們初看起來那麽新穎。即使是最個性化、個人最具有表現力的歌手充其量還只是他們自身塑造中的配角而已。譬如，迪倫要我們相信，音樂風格多樣，有民樂、搖滾樂、鄉村音樂，還有福音歌，但全都是自我抒發的佳例。嘗試著這些不同風格樂曲的演唱，迪倫塑造了一系列人物，都是些不同的社會角色。也許，他最有名的是被稱作像《風中吹著》和《你總得爲某人服務》這樣殊異的預言的先知，但他也扮演著美學家(《重訪61號公路》和《無數金髮女郎》)，扮演美國南方的流行樂歌手(《約翰•韋斯利•哈丁》和《納什維爾的空中輪廓》)，還扮演自白派詩人(《路上的血迹》)。迪倫已經扮演的所有這些新角色，每一個都是事先寫定的，倒不是懷有把鮑勃•迪倫推向市場的目標，而是作爲業已存在的文化系統的一部分。這樣，迪倫最初民歌手的角色就是對伍迪•加思裏的有意模仿，羅伯特•齊默爾曼(Robert Zimmermann)給自己重新起名叫鮑勃•迪倫的時候，就清楚地表現出這一點。"與此相似的是，米克•賈格爾前後一致得多的面貌得之于黑人民歌傳統，或許，更直接地得之于羅伯特•約翰遜(Robert Johnson)--當然不是約翰遜這個真人，而是據說已與魔鬼簽約的傳奇中的羅伯特•約翰遜。
無論把搖滾歌手稱作什麽，無論如何強調其建構，我們總離不開真實性問題。明乎此，便不難看出70年代的創作歌手(如詹姆斯•泰勒或者喬尼•米切爾)在聲稱他們要脫離正宗的搖滾而走向自我表現的時候，其所代表的經常明確表達的立場錯誤之所在。事實上，大多數成功的搖滾歌星始終是以"真正的人"推出的。我們對真正的人的埃爾維斯•麥卡特尼，甚至是真正的人的"門基"演唱組所擁有的虛幻認識，是由諸如歌迷雜誌採訪這類膚淺的媒介或者泡泡糖糖紙背後的事實造成的，但也暗含於埃爾維斯錄製他人歌曲時堅持採用自己的風格這一做法；同時，也明白無誤地存在于創作歌手身上。藝術真實性的出現，把搖滾與"叮呼巷"風格(Tin-Pan-A11ey-Style)的流行音樂區別開來，後者並不想隱藏自己的技巧，從而成功地表現了被建構性。搖滾樂隱藏自己的被建構性。
像斯普林斯汀和迪倫這樣的演奏者時常被人拿來與大衛•波埃及其他人相對照，後者將搖滾樂看作一套手法，而非真實的自我表現。西蒙。弗裏思認爲，斯普林斯汀是"搖滾樂自然主義者"，其音樂旨在自我表現。在別處，弗裏思較爲詳細地展示了斯普林斯汀建構真實性的途徑，以及斯氏在自己的職業生涯中扮演與他實際生活不同的角色的辦法。"但我不清楚，波埃和別的歌手強調其角色的虛構性怎麽沒有提出要達到真實性的目標。真實性並不因爲演唱沒被理解爲自我表現就可以被據棄。波埃扮演的不同角色令人注意到他演唱或者他扮演那些角色的事實，但是，它們並未減弱，事實上也許是增強了，角色背後有一個真實的波埃這一感覺。布萊思•費裏的不真誠，他的表演那明顯的做作，給他下了定義，正如迪倫公開宣揚的真誠一樣。事實上，歌手自認爲自然表達也好，符合傳統的表達也好，他們均是建構物(constructs)，但是聲稱符合傳統並不能免去人們對真實性的期待。挖掘傳統的歌手會聲稱他更真實，他自認爲原因就在於他挖掘的傳統。
把搖滾歌手作爲搖滾的原初文本來看待，並非要參考歌手、歌詞作者或者音樂家的意圖來使搖滾的意義固定下來，一成不變。相反，是要說，搖滾得以體現其中的各種內涵和媒體對歌手的製作推出均作出了貢獻。一張唱片，一盒錄影，或一部電影，也許僅依賴於其中的一部分，但演唱組最後卻是這些媒體共同合作下的産物。然而，即使是這個文本也不能獲得簡單的重要性或中心的地位。因爲儘管一個演唱組的觀衆無疑對演唱起到作用，但我們也要考慮根據不同的演出給他們的定位，以及演唱組演奏搖滾樂的一般方式。把搖滾歌手視爲文本是處理我們精神需求的一個不易把握的物件時所採取的一個有用策略。我們應謹慎從事，別以爲自己已經完全掌握了這個物件。
在這條原則上，還必須再加上一條，即我們認爲搖滾是一種文化活動，這並非說對這一現象就有了一個全面而透徹的理解。我們應抵制誘惑，別把一個有用的分析工具具體化並藉此使它成爲獨立存在於那裏的一個具體而又統一的東西。搖滾即使被看作文化活動，它仍是一組相互聯繫、又常常相互矛盾的産品、活動、風格和形式。
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